“Ariadna en Naxos”: una puesta en tono de comedia
La ópera de Strauss abre hoy la temporada lírica del Teatro. Su director Marcelo Lombardero explica cómo combinó los elementos esenciales del original y cómo los trasladó al presente.
La historia gira en torno al mito griego de Ariadna.
Ariadna en Naxos, la obra maestra del compositor alemán Richard Strauss con libreto de Hugo von Hofmannsthal, vuelve hoy al Teatro Colón. La puesta de Marcelo Lombardero, estrenada primero en Chile en 2011 y luego en 2019 en el Colón, tendrá en esta oportunidad la dirección musical de Günter Neuhold y un elenco encabezado por Carla Filipcic-Holm, Ekaterina Lekhina, Sergio Escobar, Tamara Gura y Alejandro Spies.
“Mi vena trágica está más o menos agotada”, escribió Richard Strauss a su libretista en 1916. “La tragedia en el teatro, después de esta guerra, me parece hoy algo bastante idiota e infantil... Soy el único compositor actual con algo de verdadero humor y sentido de la diversión y un marcado don para la parodia. De hecho, me siento llamado a convertirme en el Offenbach del siglo XX, y usted será y deberá ser mi poeta”. El año de la carta es el mismo del estreno de
Ariadna en Naxos en la versión que hoy conocemos. La ópera nació como complemento a una adaptación de El burgués gentilhombre de Molière en 1912. Pero, luego, ante diversos inconvenientes, los autores resolvieron modificarla y agregaron un prólogo que explica las circunstancias de la creación.
“Después de Salomé y Electra, Strauss entrevé la importancia de recuperar el género e insertarlo en una dinámica teatral de mucha agilidad. El ritmo vertiginoso de acción, diálogos, matices y curvas que hay en el prólogo de Ariadna es alucinante. Hay un manejo magistral, tanto de Strauss como de Hofmannsthal”, explica Lombardero a cargo de la producción que abrirá le temporada lírica, y aclaró que no habrá cambios con respecto a la producción de 2019.
“Estética e ideológicamente es la misma. Pasan las mismas cosas en los mismos momentos. Pero lo habitan otras personas, otros cuerpos y voces, y la puesta se nutre de estos nuevos artistas maravillosos. Hay dos elencos fantásticos”, dice.
La obra tiene la capacidad de resonar con el público de diversas maneras y lo que hace que Ariadna en Naxos sea única es su combinación de elementos cómicos y serios, ofrece una confrontación entre el lenguaje y ambiente culto de la ópera seria y lo popular representado en los personajes de la commedia dell’arte.
En la versión original esta pelea está enfocada entre dos géneros que permanecían irreconciliables: la ópera seria y la ópera bufa. En la versión de Lombardero el conflicto está resignificado entre el mundo barroco y el contemporáneo.
“Puse el foco en las contradicciones del espectáculo y el contenido de la obra en sí, sin tener que ponerme a dar una lección de historia de la ópera. Por eso salí de los personajes de la commedia dell’arte tradicional y transformé a esos cómicos en una especie de comedia musical barata”, explica el director. “La ópera bufa era la comedia musical de la época y no se acercaba al alto arte, que era la ópera seria. Pero hoy todo eso para un público lego es incomprensible”.
De qué va la trama
La historia gira en torno al mito griego de Ariadna, abandonada por Teseo en la isla de Naxos, y la llegada de una troupe teatral que intentan ser parte de la tragedia de Ariadna. Strauss y su libretista, Hofmannsthal, añaden una capa adicional de complejidad al entrelazar esta historia con la representación de una obra teatral dentro de la ópera misma.
La ópera comienza con un prólogo, que establece el escenario para el drama a punto de desarrollarse, donde un rico mecenas encarga la representación de la tragedia de Ariadna junto con una ópera cómica. Pero debido a limitaciones de tiempo, exige que ambos eventos se combinen en una sola actuación, lo que crea tensiones entre los artistas y los organizadores.
Un compositor y su maestro, divas y comediantes se mezclan en el prólogo y discuten sobre el arte serio y el entretenimiento. “¿Deberé representar la ópera heroica Ariadna, tras la digestión?”, pregunta el Maestro de Música al Mayordomo, y este le responde: “Durante ella. A las nueve en punto arderán los fuegos artificiales y en medio de ellos irá la ‘Ópera Buffa’”.
El Maestro no sabe cómo explicárselo a su alumno, que furioso expresa su desacuerdo: “¡No quiero calmarme! ¡Una alegre farsa! ¡Un paso hacia la ordinariez! ¡Estos descerebrados quieren construir un puente desde mi mundo hasta el suyo! ¡Oh, mecenas! ¡Esta experiencia contaminará mi alma para siempre!”.
El enfoque metateatral permite profundizar en los temas de la creación artística, la dualidad de la vida y el arte, y la naturaleza humana. En la versión original, el rol del compositor en el prólogo es interpretado por una mujer travestida, una soprano con buen dominio de todos los registros. Strauss quería un tenor, pero Hoffmensthal sugirió un papel travestido, la idea había funcionado bien en El caballero de la rosa.
“En este punto -dice Lombardero-, tomé una decisión clara: para nosotros es una compositora. Strauss entendió el personaje como una especie de émulo a un joven Mozart, y está dando vueltas el Barroco, la voz femenina y el castrato. Todo eso es muy difícil de explicar al público y me parece una discusión que ya está perimida”. El arte, los artistas y los mecenas
El director optó por abordar otras cuestiones a través del personaje
del compositor relacionadas con el arte y la conexión de los artistas. “Apuntar a que quien está ahí es un/una/une artiste en su actividad, y su conexión es con el arte y la música. Y, finalmente, su fascinación con Zerbinetta, una artista popular, tiene que ver con que el personaje del compositor no habita ese mundo. Por eso también la idea de situar la obra en la actualidad, en la casa de un rico mecenas, y no en la Viena del siglo XVIII. Y en esa resignificación, jugar con la ironía y el sarcasmo, exacerbando la comedia: la manía y las obsesiones de los artistas”.
Una cuota de sarcasmo está destinada también a la superficialidad y banalidad del mecenas. “El mecenas toma el hecho artístico como un producto propio y que puede hacer lo que quiere, destrata a los artistas porque lo más importante son los fuegos artificiales”, agregó Lombardero. Después del prólogo, en la segunda parte, es como si el público asistiera al espectáculo en la casa del mecenas, a modo de teatro dentro del teatro.
La ópera se sumerge en la representación de la tragedia de Ariadna, su dolor y angustia después de ser abandonada por Teseo. Los personajes de comedia intentan interactuar con ella, pero son ignorados. Luego, el encuentro entre Ariadna y Baco, el dios del vino, la consuela y la lleva a la inmortalidad.
Lejos del maximalismo orquestal de Strauss, esta es una obra camarística, integrada por apenas treinta y ocho instrumentistas que actúan como solistas. La obra fue pensada para una sala pequeña y, en ese sentido, la enorme sala del Colón plantea inconvenientes para una obra de estas características. Pero, según comenta Lombardero, el problema fue resulto con la escenografía de Diego Siliano.
“La puesta está concebida para transformar una sala de ópera enorme como la del Teatro Colón, en una sala que se aproxime a algo camarístico. La escenografía está pensada como una cámara acústica. El dispositivo escénico tiene que ayudar a la comedia. Fue mi obsesión cuando empezamos la producción en 2019. La concepción de la puesta, en términos acústicos y estéticos, tiene aportar a lo musical”.
La trama da lugar a cierto eclecticismo musical, elaborado magistralmente por Strauss. La canción del Arlequín está modelada con el tema del inicio de la Sonata K331 de Mozart, la melodía de las Ninfas está tomada del Wiegenlied de Schubert. En la deslumbrante aria Großmächtige Prinzessin, donde Zerbinetta intenta animar a Ariadna y le cuenta que los hombres son infieles por naturaleza y que no merece la pena llorar por ellos, está compuesta a la manera de las alegres operetas vienesas de Franz Lehár.
También está el guiño de Strauss a las arias de coloratura de Donizetti o Bellini, es una de las piezas más complejas del repertorio de coloratura. El peso del estilo wagneriano que se escucha en el comienzo del aria Ein schönes war de Ariadna se transforma luego en un aria frágil. El Strauss puro, al estilo Der Rosenkavalier , surge hacia el final, en el aria de Baco y Ariadna Gibt es kein Hinüber?. La producción cuenta con grandes intérpretes, a la altura de las exigencias musicales.
Seis funciones, dos repartos
Ariadna en Naxos subirá con dirección musical de Günter Neuhold, en un total de seis funciones: domingo 14 de abril a las 17; 16, 17, 18 y 19 de abril a las 20.
Hay dos repartos. Carla FilipcicHolm como Ariadna y Prima Donna, Sergio Escobar como Baco y Tenor, Ekaterina Lekhina como Zerbinetta, Alejandro Spies como Maestro de música (hoy, 14, 16 y 18) y Laura Grecka como Compositor (hoy, 16, 18); Eiko Senda, Fermín Prieto, Constanza Díaz Falú (17, 19) y Luisa Francesconi (14, 17, 19); la coreografía es de Ignacio González Cano Alejandro Cervera, el vestuario de Luciana Gutman y las luces son de José Luis Fioruccio.w