Guerra de guerrillas en el mundo del arte
La historia del arte no es realmente la historia del arte, es la historia del poder. Y del dinero. Y del sexo y el color que deciden adónde va la plata. Todavía está en veremos una historia del arte que le haga justicia a quienes también la construyen aunque nunca figuren, no obtengan retrospectivas ni sean objeto de deseo entre el merchandising museístico que permite llevarse a casa una taza con los relojes derretidos de Dalí o los girasoles de Van Gogh.
Ayudar a escribir esa otra historia –denunciando sus huecos, sus “olvidos”– y transformar el presente fue el objetivo de las Guerrilla Girls, un colectivo de mujeres que se pasó más de 30 años inoculando un veneno crítico en un sistema artístico sexista y racista. El big bang de esta rebelión de cuño feminista fue una muestra en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA). En 1985, ese templo de la cultura occidental inauguró su nuevo edificio con una exposición que reunía a 165 artistas, una especie de seleccionado mundial de la pintura y la escultura. Sólo 17 eran mujeres.
La estadística bochornosa fue desde entonces una de las armas de las Guerrilla Girls. El cupo femenino al que se había resignado el MoMA era tan abrumadoramente sexista que no dejaba lugar a discusión. Aunque nadie se preocupaba por discutir demasiado, salvo siete chicas con máscaras de gorilas que se manifestaron en la puerta del museo y luego se perdieron en la noche pegando afiches indignados por el bajo Manhattan.
Una de las acciones más conocidas tuvo lugar unos años después en el MET, otro prestigioso museo de Nueva York. Las Guerrilla hicieron las cuentas y encontraron que uno de los centros neurálgicos del arte estaba por entrar a los ’90 con claras –y sobre todo tácitas– pautas discriminatorias. La acción se conoce hoy con el nombre del mensaje que imprimieron en un afiche: “¿Las artistas tienen que estar desnudas para entrar al museo Metropolitan?”. En letras más pequeñas se daba un parte de situación: “Menos del 5% de las artistas en la sección de Arte Moderno son mujeres, pero el 85% de los desnudos son femeninos”.
En el cartel, el rostro insinuante y el turbante de La gran odalisca de Ingres estaban ocultos bajo una máscara de gorila, que se convertiría en la imagen icónica de las activistas y herramienta para cultivar el anonimato.
La veta irónica siempre fue parte de su arsenal. En uno de sus afiches se podía leer, entre las “ventajas” de ser mujer y artista, lo siguiente: “Saber que tu carrera profesional puede repuntar cumplidos los 80 años. Tener la garantía de que, no importa el tipo de arte que hagas, se etiquetará siempre como femenino. Tener la oportunidad de elegir entre una carrera profesional y la maternidad o no tener que pasar por el bochorno de que te llamen genio”.
Grandes instalaciones como la que presentaron en la Bienal de Venecia en 2005, más todo un dispositivo para la batalla microscópica consistente en flyers insertos en los libros que venden las tiendas de los museos, mensajes pegados en puertas de los baños, postales y hasta posavasos distribuidos en bares han sido algunas de las estrategias utilizadas para atacar el corazón del sistema, pivoteando siempre entre el humor desafiante y el atentado visual.
El grupo no existe más en su formato “original”, aunque polinizó a tres colectivos artísticos que sostienen prácticas similares e intentan ampliar el trabajo de las fundadoras. Bajo su apariencia de universo transgresor y transformador, el mundo del arte sigue clausurado para las mujeres en amplios segmentos, cuando no es directamente un lugar de hostilidad descarada, como recientemente demostró el Compromiso de práctica artística feminista que demanda la desactivación de reflejos machistas y situaciones de inequidad sexual. En muchos sentidos, el combate recién empieza.