Ausencias en el museo y en las colecciones
No se nace feminista. En algún momento se produce ese giro que implica un cambio de perspectiva. La posibilidad extraordinaria de comenzar a ver las cosas de otra manera; de lo unilateral a la opción, la alternativa, la diferencia. Un conocimiento nuevo, insubordinado respecto de los poderes normativos que regulan el poder en todos los campos de la cultura y de las relaciones sociales. Hace siete años repetía con tranquilidad clichés naturalizados en el mundo del arte: que este no tiene género, que la denominación de artistas mujeres así como sus exposiciones crean guetos, que en arte lo único que importa es la calidad, que si una artista es buena será reconocida.
Cuando comenzamos junto a Cecilia Fajardo-Hill el proyecto de la exposición Radical Women: Latin American Art, 1960-1985 (actualmente en el Hammer Museum, Los Angeles) partimos de la percepción de que la proporción de artistas mujeres en el mundo del arte era sorprendentemente baja. Comenzamos a investigar, a construir estadísticas, a desarmar los estereotipos que nosotras mismas portábamos como curadoras e investigadoras formadas en un mundo del arte construido desde perspectivas y valores patriarcales. En el momento en el que comencé a presentar gráficas que demostraban, por ejemplo, que entre 1911 y 2017 las artistas mujeres habían recibido cinco veces el Gran Premio de Honor de Pintura del Salón Nacional y los varones 91, me respondían desde nuevos lugares comunes: es cierto que hay menos artistas mujeres, pero son mejores. ¿Cómo se demuestra esto?
Las artistas mujeres (una clasificación que no suscribimos en forma esencialista, pero que administrativamente se asigna, sea cual sea la identificación de género de cada uno) están escasamente representadas en las colecciones de los museos, en el mercado del arte (donde cotizan y venden mucho menos), en las exposiciones antológicas y en las colectivas, en las revistas de arte. En el arte argentino contemporáneo las grandes estrellas son los artistas a los que administrativamente se clasifica como varones.
En las salas del Museo Nacional de Bellas Artes no solo es elocuente su ausencia en la exposición de la colección permanente: Berni tiene una sala especial ¿por qué no Raquel Forner? ¿Por qué no se realizan allí exposiciones retrospectivas de artistas mujeres? Los porcentajes no solo se constatan en las artes visuales: son también alarmantes en áreas como composición musical, dirección de cine, dirección de orquestas, literatura, repertorios en conciertos, artes escénicas, periodismo.
Radical Women involucró un proceso de investigación que transformó todos los parámetros que en años de profesión había consolidado. Tuve que volver a pensar, desarmar este- reotipos, revisar mis propias prácticas. Comenzamos la investigación de la exposición con una oposición importante dentro del medio artístico. Nuestros colegas curadores (varones y mujeres) reaccionaban casi con violencia ante la propuesta de exponer artistas mujeres; el término feminismo irritaba. Cuando la oposición es tan fuerte, también lo es el trauma. Decidimos asumir los riesgos y hacerla exactamente como la habíamos concebido. Las condiciones actuales han cambiado. #niunamenos o la reacción en los Estados Unidos al discurso misógino activado desde Washington han contribuido a este cambio. La recepción de la exposición fue inesperadamente celebratoria, tanto en el Norte como en el Sur.
El proceso de realizarla cambió todos mis presupuestos. Mi trabajo se formula ahora desde una nueva plataforma de ideas. En lugar de excluir en función del filtro que me impone el mundo del arte, interrogo sistemáticamente los lugares comunes, naturalizados, y los analizo desde datos irrevocables, desde la historia y desde la teoría. Pude así formular problemas nuevos y estudiar la obra de artistas que antes me resultaban invisibles. La pregunta por las obras de arte que el siglo XX ha excluido en la Argentina es la que también formulan las “Desesperadas por el ritmo” (Marcela Astorga, Elba Bairon, Adriana Bustos, Marina De Caro, Ana Gallardo, Silvana Lacarra, Mónica Millán, Cristina Schiavi) cuando en sus coplas trazan las genealogías de artistas mujeres ausentes en los museos, en las colecciones, en el mercado del arte argentino. La situación se reproduce en América latina y en el mundo.
Durante años la artista peruana Teresa Burga, cansada de la indiferencia del medio ante su trabajo, guardó sus obras en valijas bajo la cama. Cuando una retrospectiva reciente las sacó a la luz se produjo un efecto expansivo: hoy se la ve en la Documenta, en la Bienal de Venecia, en exposiciones internacionales y en el MALBA. El reconocimiento llega en el borde de su vida. Existe cientos de casos semejantes. Falta un coleccionismo de artistas mujeres: faltan, incluso, más coleccionistas mujeres. ¿Por qué no forman ellas sus propias colecciones?
Los parámetros patriarcales que rigen las escenas del arte están lejos de haberse modificado. Probablemente no se perciban de inmediato las consecuencias de esta naturalizada violencia simbólica. Cuando sistemáticamente se cercenan expresiones culturales no solo se afecta a quienes se expresan, sino a todos los que no podemos ver las obras, escuchar la música, leer los libros o acceder a la opinión editorial de quienes no llegan a los públicos simplemente porque el sistema, de una forma silenciosa pero eficaz, reduce sus espacios de visibilidad.
Es por todo esto que ahora desde la Asamblea Permanente de Trabajadoras de Arte y el compromiso de 37 puntos Nosotras Proponemos, convocamos a nuestrxs colegas, mujeres y varones. Los principios de equidad y respeto pueden y deben ser aplicados, predicados y respetados por todxs. Aunque nos referimos al mundo del arte, nos posicionamos ante toda forma de violencia patriarcal y machista, desde la más visible hasta la más sutil y poco perceptible, una violencia que se exacerba de acuerdo a la raza, la orientación sexual, la geografía, la edad y la clase social.