LAS INFINITAS FORMAS DEL GOCE FEMENINO
Entrevista. En Las hijas del fuego, la realizadora Albertina Carri incendia los lugares comunes del erotismo y desafía los estereotipos de belleza para crear una poética tan personal como impactante.
Es una película extrema, que dispara reacciones diversas”, evalúa Albertina Carri acerca de Las hijas del fuego, un filme divergente que combina elementos de road movie, surrealismo, western y, centralmente, el porno, “ese género con el que empezaron todas la cinematografías del mundo en la necesidad de saber sobre los cuerpos”. Con posiciones políticas firmes –que abarcan desde una dinámica horizontal para su realización hasta el abordaje feminista en las representaciones del goce–, Las hijas del fuego es desafiante: una puesta en ficción de discursos sociales y tradiciones estéticas diversas que entiende la incomodidad como una partera creativa. Luego de su presentación en el Festival de San Sebastián y a pocos días de estrenarse en salas de Buenos Aires, Albertina Carri cuenta algunas de las líneas fuertes de esta experiencia. –¿Qué tipo de espectadora pide Las hijas del fuego?
–Pide lo que piden todas mis películas: espectadores y espectadoras atentas. Es una película que aboga por una libertad y una alegría y un goce que se pretenden contagiosos. Ahora, no todos los cuerpos están disponibles en este mundo para vivir con esa alegría, ese estado de goce y esa libertad. En ese punto, como cualquier cosa que te sacuda, o te da alegría y te sentís cómoda y querés quedarte ahí, o te sentís incómoda porque te ubica en tu propia realidad. Hay gente que se para y se va, sobre todo en una escena bisagra. Para mí está muy bien que sea así. Sé que es una película que no genera consenso. Te gusta o no te gusta, no hay mucho en el medio.
–¿Te interesa pensar el cine desde la pedagogía?
–Nunca lo pensé desde ahí. Creo que Las hijas del fuego es bastante pedagógica, sin embargo. Supongo que es así porque toma cosas del porno tradicional, que es un género que teóricamente nos ha enseñado a gozar de una manera. Y en ese gozar de una única manera se pierden infinitas variables. Entonces, en ese punto, no le temo a lo pedagógico: la película se vuelve pedagógica porque hace visibles otras formas y otros cuerpos.
–La narradora en off dice: “El problema no es la representación de los cuerpos; el problema es cómo esos cuerpos se vuelven paisaje”. ¿Cuáles fueron los desafíos de esta apuesta? –Primero, es una frase poética y tiene todo el poder de la poesía; pero, además, lo que plantea es la puesta de cámara. En las escenas de sexo hay un montón de personas participando y la cámara también participa de ellas. No hay una organización jerárquica de un afuera diciéndole a un adentro qué tiene que hacer. Incluso en cómo está filmado el paisaje, que también tiene una alta carga erótica. La película busca todas estas instancias de erotismo: en la palabra oral, en los textos, en la voz en off, en los diálogos, en la comunidad, en la forma en que todo esto convive más allá de lo sexualmente explícito. Y en ese punto es que se va volviendo todo territorio, posible de cartografiar, de pensar, de enseñar.
–¿Hay una imagen o idea que puedas rastrear como germen de la película?
–Es una película que surge de una necesidad de ver lesbianas contentas, de encontrar esa representación. Durante años dirigí Asterisco, el festival de cine LGBTIQ. Vi material LGBTIQ del mundo durante años, y en todas las películas de gays, los gays están contentos; en las de trans, los, les, las trans, en algún momento están contentas, contentos, contentes. Tienen un momento de crisis para encontrar la identidad, pero siempre hay mucha alegría. En las películas de lesbianas, no; nunca están contentas. Empiezan mal, terminan mal, la pasan mal. También, por cómo fueron representadas históricamente las lesbianas en la tele y en el cine: son malas, asesinas, resentidas, tienen problemas maritales... Siempre es una representación muy oscura y, cuando trata de no serlo, es una persona en guerra, un cuerpo en batalla contra todo el mundo. Aunque la película se haga la canchera y diga: “Lo importante no es la representación de los cuerpos”, también es un llamado de atención sobre cómo fueron históricamente representados estos cuerpos. –¿Hubo de tu parte algún descubrimiento técnico o formal durante el rodaje?
–Sí, para mí siempre es una preocupación el tema de empuñar una cámara; es un acto autoritario en sí mismo. En este momento en que todo es cámara, creo que hay que ser conscientes del hecho de que empuñar una cámara es tomar algo de los demás, de ese instante. Siempre, en todas mis películas, me preocupó desde dónde se miran las cosas, por qué se miran. En el caso de la pornografía, lo que me interesaba era justamente encontrar ese afuera de cámara. Yo trabajé en un momento con archivos pornográficos, y lo que trabajaba era el detrás de cámara. En un momento de una porno, una mujer mira detrás de cámara pidiendo piedad, de algún modo pidiendo que la escena se termine; y lo que se ve es que le dan la indicación de que siga. Es muy tremendo. Y yo siento que hay una escena en las Las hijas del fuego en la que las actrices miran a ese otro grupo de mujeres que estamos del otro lado de la cámara. Hay algo de esa forma de mirar en que nos vemos todas las que estamos detrás, se ve esa comunidad de mujeres.
–“Se va formando un pueblo que busca una historia de contagio y no de herencia” ¿Cuál es la relación entre esos dos tipos de vínculo?
–Bueno, en principio es una tensión. Y creo que está todo organizado con esta lógica genealógica... Si bien la película es una realidad utópica, imagino un mundo donde todo sea más horizontal. Creo que está existiendo cada vez más, por otro lado: creo que se están empezando a armar comunidades que tienen que ver más con el contagio que con lo hereditario. “Contagio” es una palabra que me gusta especialmente porque viene de algo que tiene mala prensa, que es negativo, sin embargo no lo es: la verdad que se te puede contagiar la alegría. Te podés contagiar cosas buenas.
–“¿Hay recorrido armado o nos dejamos llevar?”, dice una de las protagonistas. ¿Hay algo de eso en el proceso de realización de la película?
–En términos prácticos, sí. Yo tengo una educación en el cine más clásico, que tiene una lógica muy jerárquica. Y acá tratamos de romper bastante con eso, es una película colectiva. Salimos a hacer el casting y a filmarla con un guión, que luego dejé que se fuera modificando. En ese sentido también nos dejamos llevar, que es un poco lo que les pasa también a ellas: hay como muchas posibles causas y no se sabe a dónde van. Pero la película te lo avisa antes: “Ahora, como si esto fuese poco, tampoco me interesa la trama, también voy a abandonar eso”. Pero la idea de contagio, de nueva sociedad, de comunidad, también es esa búsqueda: ir soltando lastres, ir viendo con qué te quedás y cómo se arma esto nuevo. También es un poco angustiante no tener ese contexto de herencia –mirá quién lo dice también, ¿no?–, es medio como pisar la luna, pasás a otra gravedad. En algún momento dudé si no había que explicar más el final de la trama, pero decidí elipsarlo completamente y que realmente sea eso: “Ahora, lo que también nos vamos a sacar de encima es la necesidad de narrar en esos términos”. Es una invitación a dejarte llevar. Las hijas del fuego Estreno en salas a partir del 1° de noviembre en la Sala Gaumont del Espacio INCAA y desde el 3 de noviembre, en Malba.