GEOMETRÍA MÁS ALLÁ DEL CANON
Colectiva. Con obras de unos 80 artistas, una muestra recorre en el MACBA los últimos 50 años de la pintura geométrica en el país y los cambios que produjeron la experimentación y los nuevos formatos, ideas y materiales.
El curador Rodrigo Alonso sostiene que la geometría “es una tradición viva” al referirse a la propuesta que presentó el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA) el 6 de marzo último, denominada Neo Post, 50 años de pintura geométrica en la Argentina 1970-2020. Utilizando parte del acervo del museo, algunos préstamos y nuevas adquisiciones, el conjunto de ochenta artistas seleccionado por la curaduría de Alonso presenta en los cuatro pisos del espacio de San Telmo, un contrapunto entre obras y artistas agrupados en torno a núcleos temáticos. La idea es rastrear los rumbos que, con diferentes acentos, tomó la geometría argentina después de la década del sesenta. Desde el nombre de la muestra ya se cuela esa idea en la utilización de los prefijos Neo y Post, que con cierta ironía se intenta dar cuenta de las singularidades posteriores a los dos períodos previos.
Hagamos un poco de historia. La exploración de los recursos plásticos y el impulso de modernizar las tradiciones pictóricas fueron pilares de la tradición abstracta en nuestro país, en el que destacan dos décadas muy importantes. Por un lado, los años cuarenta con las vertientes concretas que tomaron enseguida una perspectiva internacional muy valorada y luego, la eclosión de los sesenta, fundada más en el arte generativo, las estructuras primarias y el op-art, que contó con el apoyo del Instituto Di Tella. El período que examina la muestra se inicia con el reconocimiento de las variantes que fue adoptando esta tradición pictórica, tales como nueva geometría, geometría sensible, neo-geo, parageometría, geometría ornamental, postgeometría. Y llega a lo que hoy se percibe como inclinación marcada hacia la experimentación con nuevos materiales y formatos expandidos que reactualizan ciertas formas canónicas ya conocidas.
El curador se explaya en sus argumentos enfatizando que “quizás lo más característico de estos últimos 50 años de pintura geométrica sea el protagonismo de la subjetividad de les artistas”. Es que toda la geometría anterior respondía, en general, a unos sistemas compositivos definidos, que estaban reglamentados, como lo estuvo todo el modernismo, a través de declaraciones y manifiestos puestos a consideración con un objetivo preciso que era el de oponerse a la figuración a través de un sistema compositivo racional para rechazar en forma tajante la ilusión, la ficción y el drama de la representación figurativa. Un plan contrario al de la geometría actual, ya que puede tomar cualquier camino, así como no responder a ideas predeterminadas para innovar en sus formas de presentación o los materiales. “Es mucho más libre”, como sostiene Alonso y puede verse en el final del itinerario.
En el inicio, a partir de la primera sala de la planta baja, se percibe un interesante recorrido que se sostiene como un núcleo dedicado a la geometría “programada”, es decir, que sigue ciertas normas lógicas. Allí se establece un diálogo que incluye a algunos referentes del arte argentino con obra de Juan José Cambre, Silvia Gurfein, Tulio de Sagas
tizábal, Olga Gerding, Amadeo Azar, Jorge Sarsale y Carla Bertone. Esta selección implica no sólo saltos generacionales sino también abordajes muy diferentes entre sí, ya que cada artista trabaja el plano pictórico con sus propios recursos intuitivos.
Luego la muestra sigue un trazo más cronológico y en el primer piso conviven referentes indiscutidos de la geometría sensible, como César Paternosto, Jorge Pereira, Hilda Mans con una bellísima obra de reciente adquisición, Raúl Manzoni, Marcelo Bonevardi y Alejandro Puente. Se asocian a las modulaciones de color muy ajustado en el caso de Roberto Aizenberg, más vibrante en María Martorell y Kazuya Sakai. Es muy bueno ver también a Mercedes Esteves y Florencio Méndez Casariego con sus marcadas regularidades ópticas, junto a la fuerza del contraste en Enrique Torroja, el plano rotundo de Dalmiro Sirabo, el movimiento modulado de Ricardo Lahan, la potencia de Kenneth Kemble y las sugestivas modulaciones de tonos de Gabriel Messil. Cada uno explora diversidades con ciertos puntos de contacto en la definición de los planos bien marcados que, en los años setenta, “estuvieron muy presentes y eran casi sinónimo de abstracción geométrica pero la historia del arte los fue dejando de lado”, como confirma el curador.
En el primer subsuelo es posible visitar un señalamiento muy eficaz hacia la geometría y el ornamento, un sesgo que apareció asociado a la estética del Centro Cultural Ricardo Rojas y sus referentes indiscutidos como Jorge Gumier Maier o Alfredo Loindabere. Pero aquí se agregan Osvaldo Monzo, Cristina Ghetti y Roberto Scafidi, cuya estética no está centrada exclusivamente en el Rojas y permiten mostrar otra imagen de los años noventa, con una pintura basada en la subjetividad.
Finalmente, se dedica el segundo subsuelo a la diversidad de la pintura geométrica del siglo XXI, que pone de manifiesto cierta multiplicidad y vitalidad caracterizada por la variedad de cada propuesta. Tal es el caso de la instalación de Mariela Scafati, donde el plano trabaja el concepto monocromo, segmentando cada pieza individual en una instalación que explora cierto grado de movimiento facilitando el recorrido del espectador. En otra dirección va el monocromo que explora Eduardo Costa con su pintura sin otro soporte que la propia materialidad del color. Lo mismo que “Solo II” una obra en la que Silvana Lacarra abandona el plano para acercarse a la escultura con materiales como fórmica, alpaca y aluminio. También hay en esta sala cierto señalamiento a revitalizar el op-art en las obras de Fabián Burgos, Cristina Ghetti o Gabriela Boer, lo mismo que en Olga Gerding que está en otro piso.
La arquitectura del museo, los núcleos temáticos y cronológicos se complementan en lo que el teórico de esta muestra termina definiendo como su propuesta: “La pintura geométrica se basa en planos, líneas y figuras geométricas sin referencia a una realidad exterior a la pintura. Este último punto es importante. Por eso se suele hablar también de abstracción geométrica. Preferí utilizar el término ‘pintura geométrica’ porque me parece más simple para quien no está familiarizado con el mundo del arte”.