Entrevista al gran Luis Felipe Noé.
Luis Felipe “Yuyo” Noé expone en el museo Caraffa una síntesis renovada de seis décadas de trabajo. El artista de 85 años sigue mirando al futuro.
El tiempo alcanza un caos discernible en “Noé. Mirada prospectiva (1957-2017)”, el recorrido no cronológico por el trabajo de seis décadas de Luis Felipe “Yuyo” Noé (Buenos Aires, 1933), recién inaugurado en el Museo Caraffa, que desde su título propone captar la obra del artista como lúdico proyecto a futuro, evitando la linealidad didáctica.
Más aún, el planteo de la curadora Cecilia Ivanchevich permite asomarse a pinturas, dibujos, esculturas e instalaciones de eras yuxtapuestas que, desde su energética aura vanguardista, filtra destellos de pasado para impulsarlos hacia un horizonte utópico, allí donde la encrucijada contemporánea se desvanece.
Ese parece ser el sentido de Entreveros, un enorme ensamble de retazos preparado especialmente para la ocasión: rostros, siluetas, colores, manchas, grafismos, espejos, acetatos, cerámicas, varillas, planos invisibles y volúmenes protuberantes conciben una criatura asimétrica en medio de la sala principal, una distópica arca de Noé que celebra, condensa y salvaguarda el gen de la creación.
El conjunto repartido en tres espacios se refleja de manera expansiva en aquella instalación principal, iluminando el impulso del referente de la Nueva Figuración por activar inesperadas síntesis entre dibujo y pintura, línea y color, bidimensión y tridimensión, forma y contenido, interior y
sociedad, caos y estructura.
Obras recientes como Hoy, el ser humano (2016) –un Cristo de espejos quebrados que pende sobre un fondo de luchas y matanzas en los que refucilan Goya y Géricault junto a postales actuales del horror– o Derechos y humanos (2017) –una extraviada masa de rostros blanquinegros salpicada de colores furiosos y banderas argentinas– conviven con una serie de dibujos rápidos y misteriosos que Noé realizó mientras hacía terapia en la década de 1970, reunidos en un libro actual por la galería porteña Rubbers.
La publicación ha sido una constante en su trayectoria y así “Prospectivas” recoge libros como el fundamental Antiestética, donde Noé se explayó sobre su noción del caos, el más nuevo Noescritos ola incunable novela Códice rompecabezas sobre recontrapoder en cajón desastre, nacida también del diván.
“El caos siempre está, el caos me sigue dirigiendo”, reconoce Noé, que se aparece en su exposición con sombrero panamá bajo el brazo, vestido de azul y negro.
Y completa: “Lo que se ha ido modificando no es el caos sino mi concepto del caos, porque yo en el año ’65 cuando escribí la Antiestética confundía caos con desorden. El caos no tiene opuesto, el orden no es el opuesto del caos. El caos es la vida misma y el orden son etapas, preconceptos. Querer poner orden en el caos es como tapar una olla grande con la tapa de una cacerola más chica, se cae y se agrega al despelote. Cuando yo hablo de estructurar el caos me refiero a entender subjetivamente esa gran confusión, sobre todo en el campo artístico. En el ’65 todavía no se hablaba del caos en el orden científico, el caos no estaba de moda, pero ahora sí. A mí me interesa entenderlo cada vez más”.
¿Por qué se impone la mirada “prospectiva”? “La retrospectiva es un trayecto cronológico y pone acento en el pasado. Eso puede ser para cuando yo fallezca. Ahora lo que me interesa tal vez porque tengo 85 años es poner el acento en que todavía estoy joven, por eso la exposición no está ordenada cronológicamente sino mezclada para ver cómo líneas y cosas se cruzan en el tiempo –responde–. En este momento la mayor cantidad de proyectos que tengo son escritos, ya sea reediciones o novedades, si la fuerza me da. No le tengo miedo a la muerte pero sí pánico a la muerte en vida. Volverse tonto o no poder hacer algo por los propios medios. Por eso me apuro”.
Tiempo de cócteles –¿Cómo entiende el arte después de seis décadas de trabajo?
–Hoy al arte se lo llama estúpidamente “contemporáneo”. Y digo estúpido porque cómo se va a llamar cuando deje de ser contemporáneo. Cuando se hablaba de renacimiento, barroco, manierismo, romanticismo, impresionismo, de todos los títulos de las distintas vanguardias, había conciencia de lo que sucedía. En la actualidad no hay conciencia de lo que se sucede. Lo que pasa es que después de los años ‘60, cuando surge el arte conceptual, se termina un strip tease que comenzó con el romanticismo. Y ahí se produce un gran desconcierto. Hay una moda del arte conceptual que me parece a veces mal entendido. Porque el arte conceptual para que sea realmente conceptual tiene ante todo que tener un concepto, y yo hoy veo mucho arte conceptual sin concepto. Le tengo una enorme admiración a Duchamp, pero me parece que abunda una mala interpretación del duchampismo.
–¿Qué caracteriza a la época? –Todas las experiencias de las vanguardias, más las experiencias de las vanguardias de otros lenguajes artísticos, más la experiencia de toda la historia del arte se combinan. La palabra que para mí debe reemplazar al arte conceptual es “cóctel art”. Cada uno hace su cóctel. Hay una gran libertad, pero también la libertad desconcierta y en nombre de ello puede haber macaneo. Por eso hay una decadencia de la crítica, que ha sido reemplazada por los curadores, que son los que hacen el cóctel, o el cóctel de cócteles, y se sienten artistas. Todo está mezclado. Pero algo de lo que debo cuidarme es de hablar de lo que hacen los jóvenes, porque los viejos se equivocan al hablar de los jóvenes, que vienen con otros parámetros. Yo trato de todas maneras de entenderlos, porque no quiero llegar a viejo.
–Un apartado de la muestra se llama “conciencia histórica”. ¿Cómo vincula arte y política?
–El arte es de por sí político, pero cuando digo eso no quiero decir que esté encajado únicamente en posiciones militantes. Es de por sí político porque pertenece a la polis, a la sociedad, es otra manera de marcar el tiempo histórico. El arte habla de todo como los seres humanos hablamos de todo. Hablamos de amor, de banalidades de la vida cotidiana, de política, y el arte habla igual que los seres humanos. Es político porque el ser humano no puede dejar de ser político. Es político incluso aquel que dice que no le interesa la política.
–¿En qué medida su trabajo es una síntesis de lenguajes?
–Yo no hago separación entre dibujo y pintura, creo en el arte de la imagen. Y la imagen se da dibujando un cuerpo pero también haciendo rayas en el aire. La imagen se da en tinta negra o en tintas de colores, mezclando pintura con dibujos, en el último tiempo lo que hago es “dibupintura”. Lo que pasa es que la gente entiende más el dibujo que la pintura. El color asusta, y a mí me fascina. Provoca eso de “¡No grites, hablá bajo!”. Es curioso, pero el color, que es un adjetivo calificativo, es como decir malas palabras para mucha gente. –¿Qué le representa Córdoba? –Córdoba es una provincia hermosa a la que he venido de chico. A mi madre, por problemas de salud, le habían recomendado estar en Alta Gracia. Quería mucho a mi madre pero siempre digo que tuve como tres madres que me daban pelota, una hermana de ella mayor y una cordobesa que trabajaba en casa, primero fue niñera y después una cocinera estupenda. Se llamaba Antonia, la adoraba. Y tuve grandes amigos cordobeses, entre ellos Jorge Bonino, a quien están empezando a valorizar, y que vivió conmigo en Nueva York. Guardo una carta fantástica de él en mi cuarto.