Uma Bienal que não grita, mas suspira
Fórmula do artista-curador, herdada dos impressionistas, nem sempre funciona, mas a mostra tem bons nomes
Uma exposição em que artistas são também curadores não é exatamente uma ideia nova. Na mostra que marcou o ano zero do movimento impressionista, em 1874, alguns dos 30 artistas participantes desempenharam igualmente esse papel, hoje visto com desconfiança em função dos abusos cometidos por curadores ao organizar exposições que tratavam os artistas como seres destituídos de vontade própria. O curador da 33.ª edição da Bienal de São Paulo, o espanhol Gabriel Pérez-Barreiro, em busca de um modelo mais democrático, batizou sua mostra de Afinidades Afetivas, amálgama do título do romance de Goethe (As Afinidades Eletivas, 1809) com um texto do crítico Mário Pedrosa sobre a “natureza afetiva da forma na obra de arte”. E convidou sete artistascuradores para organizar com ele uma bienal sem tema.
Ainda que não temática e plural, a Bienal tem algo das ligações perigosas do casal central do romance de Goethe, que se relaciona de forma apaixonada com outros casais quando seria providencial uma dose mínima de razão. O epílogo, claro, é trágico. Não chega a ser o caso da 33.ª Bienal, graças justamente a artistas que disseram “não” e correram riscos em sua trajetória. Um dos curadores convidados, o brasileiro Waltercio Caldas, jamais se ajustou ao modelo afetivo, sendo suas escolhas ditadas pela razão. Deixou claro que não escolhia nomes, mas objetos que têm a ver com sua obra. Sua seleção é um dos destaques de uma bienal em que o sentido de reserva territorial é incômodo – e francamente egocêntrico.
Os artistas-curadores da Bienal não são pares ligados por uma atração inexplicável como os casais de Goethe, mas por gestos voluntariosos e pouco dispostos a confrontar o papel protocolar do curador-ilustrador, que usa a arte alheia em benefício próprio. O próprio caráter insular da mostra, reforçado por uma expografia que forma pequenas ilhas num arquipélago dentro do pavilhão da Bienal, parece contradizer a vontade de se construir uma mostra radical, continental, que replicasse as polaridades de Goethe.
Dito assim, pode-se concluir que a mostra é pouco atraente. Não é. Há nela nomes que se destacam por mérito de alguns artistas-curadores, caso da sueca Mamma Anderson, que revela suas fontes pictóricas não necessariamente contemporâneas – caso do americano Henry Darger, nascido em 1892. O diálogo com a tradição é, contudo, diferente da conversa de Waltercio com artistas que admira e nem por isso duplica.
Outro nome de peso é o do holandês Roderick Hietbrink, que lida com a irrupção do surreal no cotidiano (em seu vídeo, um carvalho invade uma sala de visitas, arrastando de móveis a bibelôs, uma crítica ao modernismo idealista dos holandeses). A escolha do uruguaio Alejandro Cesarco tem a ver com a árvore genealógica traçada pela sueca Mamma – especialmente quando se associa sua obra a iconoclastas como a americana Elaine Sturtevant (1924-2014), que usava imagens de Warhol e outros artistas em seu trabalho.
Entre artistas mortos que devem ser procurados – e esta é a palavra, considerando a má colocação das etiquetas de identificação – estão a brasileira Lucia Nogueira (1950-1998), que construiu uma obra inusual com objetos prosaicos, o paraguaio Feliciano Centurión (1962-1996), cujos bordados (e temas) são próximos de Leonilson, e o conceitual Aníbal Juarez López (1964-2014). Entre os mortos, Tunga reina soberano na sala barroca de Sofia Borges. E a exposição organizada pelo espanhol Antonio Ballester é uma das melhores desta Bienal que não grita, mas suspira.