James Wel­ling

S.M.A.K. / 28 jan­vier - 16 avril 2017 Ga­le­rie Ma­rian Good­man / 25 jan­vier - 2 mars 2017

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Il est au moins deux rai­sons de sor­tir dé­con­cer­té d’une ré­tros­pec­tive de Ja­mesWel­ling comme celle que pré­sente le S.M.A.K. de Gand et qu’in­tro­duit et pro­longe, par des oeuvres an­té­rieures ou in­édites – les New Flo­wers de 2016 – une ex­po­si­tion mo­no­gra­phique, ga­le­rie Ma­rian Good­man à Pa­ris. La pre­mière, cir­cons­tan­cielle, tient à l’im­por­tance don­née aux vi­déos. Un film ouvre l’ex­po­si­tion. D’autres la ponc­tuent, comme des ex­pé­ri­men­ta­tions du Wel­ling étu­diant – an­té­rieures à son choix, au mi­lieu des an­nées 1970, de se consa­crer à la pho­to­gra­phie – ou une re­cherche en cours, dé­ri­vée d’une des sé­ries ex­po­sées, qui confère à cette ré­tros­pec­tive un ca­rac­tère pros­pec­tif. Sur­tout, Seas­cape (2017), qui mixe les cou­leurs d’un ta­bleau et les images d’un film ama­teur du grand-père de l’ar­tiste, nimbe l’ex­po­si­tion de sa bande-son dont les mou­ve­ments d’ac­cor­déon évoquent ce­lui des vagues pro­je­tées à l’écran. La se­conde rai­son est struc­tu­relle et tient à l’hé­té­ro­gé­néi­té d’une oeuvre si­tuée entre abs­trac­tion et fi­gu­ra­tion, do­cu­men­taire et ex­pé­ri­men­ta­tion, mo­der­nisme et post-mo­der­nisme. L’ex­po­si­tion joue ha­bi­le­ment de ces pa­ra­doxes : Wyeth (2010-15), hom­mage in­quiet et tout en nuances froides au peintre ré­gio­na­liste qu’ad­mi­rait Wel­ling dans sa jeu­nesse, fait face à l’oni­rique Glass House (200609) qui frappe par le mo­der­nisme de son su­jet – la mai­son de verre de Phi­lip John­son – et par ses cou­leurs qui, ob­te­nues à l’aide de filtres, doivent évo­quer au­tant l’ère mo­derne de la pho­to­gra­phie cou­leur, contem­po­raine de la mai­son construite par John­son en 1949, que l’oeuvre d’An­dy Wa­rhol, qui fut un ami de l’ar­chi­tecte. Faut-il cher­cher à ré­duire cette hé­té­ro­gé­néi­té qui, par­fois, se re­trouve au sein d’une même sé­rie comme Light Sources (1977-2005), ici cen­trale ? Si l’ex­po­si­tion donne une ré­ponse, elle ré­side sans doute dans le tres­sage de l’his­toire per­son­nelle et de l’his­toire du mé­dium. Il est ques­tion de la fa­mille de l’ar­tiste, de son grand­père, peintre du di­manche, mais aus­si d’an­cêtres, dont le jour­nal in­time, contem­po­rain de la nais­sance de la pho­to­gra­phie, avait ser­vi de point de dé­part à la sé­rie Dia­ry/Land­scapes (1977-86). Cette der­nière com­prend un chêne, ja­lon de l’oeuvre de Wel­ling de­puis des aqua­relles des an­nées 1960, dont la ré­cur­rence donne son in­té­rêt à la sé­rie Oak Tree (2012-14) qui, si­non, pas­se­rait pour faible. Mais il est aus­si ques­tion de la pho­to­gra­phie, de sa proxi­mi­té à la pein­ture, à la sculp­ture, à l’ar­chi­tec­ture et à la danse, et de ses pos­si­bi­li­tés sans cesse re­nou­ve­lées. C’est ain­si qu’il faut lire le dia­logue, im­por­tant car éta­bli à Gand comme à Pa­ris, entre Me­ri­dian (2014), do­cu­men­taire sur une im­pri­me­rie dont les cou­leurs ont été sa­tu­rées, et Cho­reo­graph (2013-15), images feuille­tées, pour cer­taines re­mar­quables de dy­na­misme, su­per­po­sant, dans une gamme chro­ma­tique ir­réelle, corps dan­sant, na­ture et ar­chi­tec­tures. Ces sé­ries pro­viennent, en ef­fet, se­lon les mots de l’ar­tiste, d’« une mé­di­ta­tion sur l’in­ter­re­la­tion de Pho­to­shop, du jet d’encre et de l’im­pres­sion off­set in­dus­trielle ».

Étienne Hatt There are at least two rea­sons to feel dis­con­cer­ted af­ter seeing the James Wel­ling re­tros­pec­tive at the S.M.A.K. in Ghent, which is com­ple­men­ted by his so­lo show at the Ma­rian Good­man gal­le­ry in Pa­ris that in­cludes work pre­da­ting the S.M.A.K.’s ti­me­frame or pre­vious­ly un­shown, such as his 2016 New Flo­wers. The first rea­son is cir­cum­stan­tial—the ma­jor im­por­tance gi­ven to his vi­deos. The Ghent ex­hi­bi­tion be­gins with a vi­deo, and ma­ny others are fea­tu­red, such as the ex­pe­ri­men­tal vi­deos he made as a student be­fore he de­ci­ded to de­vote him­self to pho­to­gra­phy in the mid-1970s, and his cur­rent, on- going pro­ject ba­sed on one of the se­ries al­so shown here, so that this re­tros­pec­tive al­so gives a taste of the fu­ture. The most outs­tan­ding vi­deo is Seas­cape (2017), where the co­lors of a pain­ting are mixed with a home mo­vie made by Wel­ling’s grand­fa­ther. Its sound track suf­fuses this show, with ac­cor­dion mo­ve­ments evo­king the mo­ve­ment of the waves pro­jec­ted on the screen. The se­cond rea­son is struc­tu­ral—the he­te­ro­ge­nei­ty of a bo­dy of work po­si­tio­ned bet­ween abs­trac­tion and fi­gu­ra­tion, do­cu­men­ta­ry and ex­pe­ri­men­ta­tion, mo­der­nism and post­mo­der­nism. The ex­hi­bi­tion skill­ful­ly plays with these pa­ra­doxes, han­ging Wyeth (2010-15), an unea­sy ho­mage, in cold co­lors, to the re­gio­na­list pain­ter whomWel­ling ad­mi­red in his youth, fa­cing the onei­ric Glass House (2006-09), with its stri­kin­gly mo­der­nist sub­ject, the house de­si­gned by Phi­lip John­son in New Ca­naan. Wel­ling’s co­lors, pro­du­ced by using light fil­ters, are meant to evoke both the mo­dern era of co­lor pho­to­gra­phy, contem­po­ra­neous with John­son’s 1949 house, and the work of An­dy Wa­rhol, a friend of the ar­chi­tect. Is there some ove­rar­ching ele­ment in this he­te­ro­ge­nei­ty, not on­ly bet­ween but wi­thin se­ries, as in Light Sources (1977-2005), a cen­tral en­semble here? If this show pro­vides an ans­wer, it lies in the in­ter­wea­ving of Wel­ling’s fa­mi­ly his­to­ry and that of the me­dium. His grand­fa­ther was a Sun­day pain­ter, and ano­ther an­ces­tor, who li­ved du­ring the era of the birth of pho­to­gra­phy, kept a dia­ry that ser­ved as the point of de­par­ture for Wel­ling’s Dia­ry/Land­scapes (1977-86). This se­ries in­cludes a pho­to of an oak, a re­cur­rent image in his work from his 1960s wa­ter­co­lors through the se­ries Oak Tree (2012-14) that de­mons­trates that his in­ter­est is more than a pas­sing pen­chant. But there is al­so the ques­tion of the me­dium of pho­to­gra­phy it­self, its links with pain­ting, sculp­ture, ar­chi­tec­ture and dance, and its constant­ly fresh pos­si­bi­li­ties. This is how one should read the dia­logue, whose im­por­tance is un­der­li­ned in Ghent and Pa­ris, bet­ween Me­ri­dian (2014), a do­cu­men­ta­ry about a print shop with touches of sa­tu­ra­ted co­lors, and Cho­reo­graph (2013-15), laye­red images, some re­mar­ka­bly dy­na­mic, su­per­im­po­sing, in an un­real range of co­lors, dan­cing bo­dies, na­ture and ar­chi­tec­tu­ral struc­tures. As it hap­pens, this se­ries, Wel­ling ex­plains, is the re­sult of “a me­di­ta­tion on the in­ter­re­la­tion of Pho­to­shop, ink­jet, and in­dus­trial off­set prin­ting.”

Trans­la­tion, L-S Tor­goff

« 0123 ». 2015. Sé­rie « Cho­reo­graph ». 2013-15. (© J. Wel­ling ; Court. de l’ar­tiste et Da­vid Zwir­ner, New York / Londres. Thanks to the Un­tit­led Dance, L.A. Dance Pro­ject and Kyle Abra­ham/ Abra­ham.In.Mo­tion)

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