Dak’art 2014
Divers lieux / 9 mai - 8 juin 2014
Pour devenir un artiste africain, exposer à la Biennale de Dakar est presque un rite de passage. « Ce n’est pas un hasard, dans un pays qui a eu pour président de la République un poète », dit Abdelkader Damani, l’un des commissaires de l’exposition internationale, algérien et directeur de la plateforme Veduta à la Biennale de Lyon. Depuis la fondation de Dak’Art en 1992, toutes les éditions n’ont pas été égales en qualité, mais celle-ci témoigne d’un véritable renouveau. Selon un procédé de sélection inédit, les commissaires ont choisi huit artistes chacun, et les autres par un appel à candidature qui prévalait jusque-là ; aucun des sélectionnés ne doit avoir déjà participé. Ce double système permet une véritable ouverture. Soixante et un artistes venus de toute l’Afrique ont été répartis dans de vastes studios de télévision transformés pour la première fois en village de la biennale. Produire le commun, tel est le sujet de cette année, un sujet dans l’air du temps, très (voire trop) large comme le sont souvent les titres de biennales. On parle ainsi de cosmolocalisme et d’afropolitanisme ; « le ressort de la biennale est surtout de montrer un art de qualité, de faire que les différences s’additionnent au lieu de s’annuler, et non d’énoncer un statement africain », souligne Elise Atangana, autre commissaire de l’exposition, d’origine camerounaise et installée en France. Avec leurs profils très différents les uns des autres, Abdelkader Damani, Elise Atangana et le Nigérian vivant aux États-Unis Smooth Ugochukwu Nzewi ont justement réussi à parler d’une seule voix. « Nous avons voulu incarner des pensées dans des formes et dans la matière, la peinture, la sculpture, le dessin, même s’il y a aussi des installations et des vidéos. D’ailleurs la biennale offre la possibilité de montrer des oeuvres qu’il serait impossi- ble de montrer ailleurs, qui seraient déconcertantes pour le mainstream contemporain », dit Damani. L’exposition affiche une hétérogénéité revendiquée et son accrochage est bien mieux pensé que dans la dernière édition. L’une des séquences est consacrée à l’architecture et à l’urbanisme. C’est là que se dresse l’Hôtel de l’indépendance, de Kader Attia, nouvelle production qui reprend, avec des casiers récupérés dans une administration algérienne, l’allure moderniste d’un hôtel de Dakar dont le nom a été un symbole et qui est aujourd’hui abandonné. Non loin de là est accroché Unter uns, par l’Algérien Driss Ouadahi, peinture à partir de fragments photographiques d’une architecture fantastique. Ces nouveaux univers urbains apparaissent aussi chez Julie Mehretu et, dans un tout autre genre, chez le peintre nigérian Chike Obeagu. Toute cette salle est baignée par le son du film de Wael Shawky, Al Araba Al Madfuna 2, « un artiste de la synthèse, qui n’a plus de complexes vis-à-vis de l’Europe ; son travail incarne l’idée que l’Afrique n’est pas héritière de la modernité, mais qu’elle en est aussi productrice », explique Damani. Une autre salle aborde la question de l’absence, introduite par l’installation du Tunisien Faten Rouissi, le Fantôme de la liberté (qui reprend un titre de Buñuel) : dix-sept sanitaires jaunes autour d’une table des négociations d’après la révolution – au moment où l’échec menaçait. Juste derrière, le beau film de John Akomfrah, Ghanéen vivant à Londres, explore aussi une disparition, celle de l’histoire de deux Noirs dessinés par Dürer. On ne sait plus rien d’eux et le film raconte leurs vies imaginaires. Après des rapprochements purement plastiques, plusieurs travaux s’appuient sur des archives : le film de l’Algérienne Amina Menia, vu à Sharjah, « comme un compte à rebours avant la guerre d’Algérie, image de l’échec de la modernité », dit-elle ; mais aussi la vidéo d’Ali Essafi qui a redécouvert trois films dans les archives des États marocain et algérien, puis les a détournés pour leur faire raconter l’histoire de ces pays. Enfin, comme l’explique Elise Atangana, la salle Anonymous clôt le parcours : les artistes ont été invités à y apporter une oeuvre ou un objet destiné à être montré sans cartel ni signature, pied de nez au marché de l’art, écho aux oeuvres d’Afrique ou d’Océanie dites sans auteur, à l’idée que l’avenir de l’humanité se fera à travers l’anonymat (avec les logiciels libres par exemple), et aux mouvements révolutionnaires qui ont récemment changé le cours de l’histoire. L’accrochage devait ressembler à un cabinet de curiosités, mais le temps a manqué pour y parvenir. « Quand on fait la biennale de Dakar, il faut sans arrêt solliciter notre créativité », dit Damani. On sent d’ailleurs sur place une formidable compétence des artisans, mais un réel manque d’autres corps de métier, les régisseurs notamment. Autre innovation et réussite, une exposition a été montée dans le jardin botanique de l’université : Dak’art au campus. Aux côtés de Bob Verschueren et de Barthélémy Toguo entre autres, Nils Udo a réalisé une sorte de giron dans les racines d’un fromager géant entouré de lianes et lové dans un paravent de bambous: magnifique métaphore de la naissance de la vie. L’hommage à Moustapha Dimé, artiste de Gorée disparu en 2013, mérite aussi d’être visité – il est soutenu par la fondation Blachère. En revanche, l’exposition qui se tient à l’IFAN (Institut fondamental d’Afrique noire) est faible, à l’exception des peintures proches de l’art brut du Danois Finn Thorstein. « Sans le Off, le In n’aurait pas survécu », remarque Aïssa Dione, qui avait autrefois une galerie en ville et expose à présent des artistes dans sa maison (elle a fondé une entreprise produisant tissus et mobilier à partir des savoir-faire traditionnels). Cette programmation spontanée du Off est cette année encore très vive. Beaucoup de lieux sont mobilisés comme la Biscuiterie ou la Fondation Total. Au Manège de l’Institut fran- çais, le Malien Abdoulaye Konaté (1), montre de superbes tentures suspendues dans l’espace, en bandelettes de tissu cousues – la tradition textile est forte au Mali. Les unes sont abstraites, et les autres très engagées contre l’extension du fondamentalisme religieux et les dictatures. Autre lieu incontournable, Raw Material Company montre une exposition courageuse sur l’homosexualité en Afrique, sujet tabou s’il en est puisqu’elle est illégale dans 38 des 55 États du continent, souligne la fondatrice Koyo Kouoh. Imagerie précaire s’inscrit dans un programme de séminaires et d’ateliers menés avec des associations pendant un an. On y voit les photographies de Zanele Muholi, montrées à la dernière Documenta, mais aussi le film de Kader Attia, Collages (2011), qui met en scène des transsexuelles de Paris, d’Alger et de Bombay. Ailleurs, ce sujet n’apparaît que rarement, par exemple dans l’exposition d’Aïssa Dione à travers l’oeuvre de MameDiarra Niang, ou dans l’exposition internationale à travers les comic books de Milumbe Haimbe (seule représentante de la Zambie à la biennale depuis dix ans), dans lesquels elle cherche une alternative aux superhéros habituels de la culture occidentale. Du In au Off, Dak’Art est en plein développement. Un certain nombre de transformations à venir permettraient d’assouplir son fonctionnement. Alors que beaucoup d’artistes africains regardaient jusqu’à présent plutôt vers le Nord, et en dépit de toutes les difficultés matérielles auxquelles il faut faire face, il semblerait qu’ils commencent à se rendre compte de ce qui se passe à Dakar depuis quelques années.
Anaël Pigeat (1) Il participait à l’exposition Décorum au musée d’Art moderne de la Ville de Paris cet automne. For aspiring African artists, showing at the Dakar biennial is almost a rite of passage. “That’s no accident in a country whose founding president was a poet,” explains Abdelkader Damani, one of the three curators of this international exhibition, an Algerian who is also the director of the Veduta platform at the Lyon Biennale. The various editions since Dak’Art was launched in 1992 have been of uneven quality, but this year seems to mark a real
renewal. Using a unique selection procedure, each curator picks eight artists, while others are chosen from among an open call for candidates to submit their portfolios, on the condition that they have not shown in any previous edition. This system makes for a truly open exhibition. Work by 61 artists from all over Africa is displayed in vast television studios transformed, for the first time, into a biennial village. “Producing the common” was this year’s theme— bothfashionable and (overly) broad theme, as is often the case with biennials. There was also much talk about cosmolocalism and Afropolitanism. “What drives this biennial is above all a desire to show high-quality art in a setting where the differences add up instead of canceling each other out, and not to make an African statement,” emphasized Elise Atangana, another of the curators, born in Cameroon and now working in France. While maintaining their varied profiles, Damani, Elise Atangana and Smooth Ugochukwu Nzewi, a Nigerian living in the U.S., succeeded in speaking in a single voice. “We wanted to see thinking embodied in forms and materials, in painting, sculpture and drawing, although we also have installations and videos,” says Damani. “Furthermore, this biennial offers the possibility to show works that could not be shown elsewhere, with forms that the contemporary mainstream would find disconcerting.” The exhibition was joyously heterogeneous and the layout design far better conceived than during the previous edition. One of the sequences is devoted to architecture and territories. Standing there is Kader Attia’s Hôtel de l’indépendance, a new piece that uses file cabinets found in a disused Algerian administration building to replicate the modernist architecture of a now- abandoned Dakar hotel whose name is freighted with symbolism. Hanging nearby is
Unter uns by the Algerian Driss Ouadahi, a painting based on photographic fragments of a fantasy building. Similar new urban universes appear in the work of Julie Mehretu, and, in an entirely different way, that of the Nigerian painter Chike Obeagu. The whole room is bathed in the sound of Wael Shawky’s video Al Araba Al
Madfuna 2. The work of this “artist of synthesis who is no longer hung up about Europe is based on the idea that Africa does not inherit modernity but also produces it,” explains Damani. Another room takes up the question of absence, introduced by an installation by the Tunisian Faten Rouissi, Fantôme de la liberté (a title taken from the Buñuel film of the same name), with 17 yellow toilets around a negotiations table, representing the failure of the post-revolution parliament. Behind it is projected an excellent film by John Akomfrah, from Ghana, now British, also about absence, the disappearance of the story behind a Black man and woman portrayed in engravings by Dürer. Nothing is known about them today; the video recounts their imaginary lives. A number of pieces have visual elements in common, while others are based on archival materials, such as the film by Algeria’s Amina Menia, seen at the Sharjah biennial, “a countdown before the Algeria war, an image of the failure of modernity,” she says, and a video by Ali Essafi, who found three films in the state archives of Morocco and Algeria and then subverted them to recount the history of these two countries. The visit comes to an end, as Atangana explains, with the room called Anonymous. The artists were invited to each contribute a work or an object to be shown with no wall label or signature, in a jab at the art market, an echo of the socalled authorless artworks of Africa and Oceana, a suggestion that the future of humanity will be constructed anonymously (with open software, for example) and in recognition of recent revolutionary movements that have changed the course of history. This exhibition probably resembled a curiosity cabinet, but there wasn’t enough time to see it. “We had to ceaselessly appeal to our creativity i n organizing this biennial,” said Damani. Visitors sense the formidable competence of the artisans, but other skill sets are lacking, notably in terms of management. In another innovation, this time successful, an exhibition called
Dak’art au campus was held in the university botanical garden. Alongside work by Bob Verschueren and Barthélémy Togo, among others, Nils Udo made a refuge among the roots of a giant kapok tree surrounded by vines and nestled i nto a bamboo windshield, a magnificent metaphor for the origin of life. Also worth a visit is the homage to Moustapha Dimé, a Gorée artist who died in 2013, supported by the Blachère foundation. On the other hand, the exhibition at the I FAN ( I n s t i t u t Fondamental d’Afrique Noire) is weak, with the exception of the art brut-like paintings of the Danish Finn Thorstein. “Without the Off, the In wouldn’t have survived,” remarks Aïssa Dione, who used to own a gallery in town and regularly shows artworks in her home (she is the founder of a company that makes fabrics and furniture using traditional skills). The spontaneous events at the Off were lively once again this year. A number of venues were involved, such as the Biscuiterie and the Fondation Total. The Institut Français’s Manège gallery featured wall hangings by t h e Malian a r t i s t Abdulaye Konaté,(1) superb strips of sewn cloth suspended in space, reflecting a cloth-making tradition still strong in Mali. Some are abstract; others rather engaged, in opposition to religious fundamentalism and dictatorship. Another must- see site, the Raw Material Company, features a courageous exhibition about homosexuality in Africa, a taboo subject if ever there was one, since this practice is illegal in 38 of the continent’s 58 states, as the art center’s founder Koyo Kouoh emphasizes.
Precarious Imaging is part of a series of seminars and workshops carried out in partnership with local organizations over the course of a year. This exhibition includes photos by Zanele Muholi seen at the last Documenta and the Kader Attia video Collages (2011), portraits of transsexuals in Paris, Algiers and Bombay. This subject is dealt with very little anywhere Off or In, with the exception of Dione’s home exhibition of work by Mame-Diarra Niang, and, in the biennial’s international exhibition, the comic books of Milumbe Haimbe (the only artist from Zambia to be shown at Dak’art for a decade), which pose a female alternative to Western culture’s usual superheroes. From In to Off, Dak’Art 2014 is in full growth. A feasibility study is being conducted regarding the biennial’s transform into a foundation to allow it to function more smoothly, especially on the financial front. Although many African artists these days are still more interested in looking North, and despite all the material difficulties, it would seem that they are beginning to note the importance of what’s happening in Dakar.
Translation, L-S Torgoff
(1) His work was shown in the exhibition Décorum at the Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris.