Au-delà de l’image

Galerie SEE Studio / 6 novembre 2014 - 3 janvier 2015 La jeune Galerie SEE Studio entend nous conduire « au-delà de l’image » en réunissant sept artistes, tous français, nés entre 1980 et 1986, mais aux travaux trop hétérogènes pour constituer un groupe. Même si plusieurs sont actifs à l’étranger, comme Alexandre Maubert qui vit au Japon, ce manque d’ouverture internationale est sans doute la seule limite au commissariat du couple de galeristes. Valeria Cetraro-Escougnou et Édouard Escougnou ont en effet su impliquer des artistes, sans tous les représenter, dans un projet de longue haleine donnant lieu à des oeuvres pour la plupart inédites et explicitées, dans le catalogue, par d’instructifs entretiens. Cet « au-delà de l’image » n’est pas une promesse de mondes invisibles. À première vue, c’est même l’annonce d’une disparition. Les images frappent par leur précarité. Superamas d’Emmanuel Le Cerf est de la poudre prise entre deux plaques transparentes, les photographies du duo Pia Rondé et Fabien Saleil sont tirées sur verre (voir dans ce numéro l’article qui leur est consacré) et celles d’Alexandre Maubert semblent s’altérer. David De Beyter retourne les images ou les oblitère, et JeanBaptiste Lenglet et Aurélie Pétrel les fragmentent. Matériellement au bord de l’anéantissement, ces images définissent qui plus est un univers ambigu, entre catastrophe naturelle effective et science-fiction, où, sous les auspices d’un « Hollywood sign » placé à l’entrée, on passe, menacés par une tornade, de cratères de météorites à Fukushima. Néanmoins, ce qui réunit les oeuvres est avant tout ce qui les différencie : leur manière de dépasser non pas l’image – elles continuent à faire signe – mais la photographie. Car toutes les oeuvres exposées ont la photographie pour point de départ ou d’arrivée sans pourtant s’y réduire. L’objet photographique tend vers la peinture, mais selon des configurations différentes du modèle du tableau qui a longtemps prévalu. Avec Le Cerf et Maubert, c’est affaire de pigments. Avec De Beyter, la photographie tirée à même le mur devient fresque. Avec les autres, elle est inséparable de la sculpture : elle est l’image d’une sculpture conçue pour être photographiée chez Rondé et Saleil qui, comme Lenglet, l’associent aussi à un objet ou, enfin, faisant corps avec son support, la photographie se développe dans l’espace. Ainsi de l’oeuvre maîtresse de l’exposition qu’est pour moi Partition : Fukushima #2 d’Aurélie Pétrel qui réactive ici pour la troisième fois, mais de manière plus unitaire que dans les autres lieux, des « prises de vues latentes » réalisées à Fukushima, et entrelace les strates iconiques et temporelles pour « instaurer un environnement signifiant, voire critique », en l’occurrence, du traitement médiatique occidental de la catastrophe. Bien sûr, les développements sculpturaux de la photographie ne sont pas inédits. En 1970 déjà, le MoMA présentait Photography into Sculpture. Pourtant, après les modèles dominants, ces dernières décennies, de la peinture et du cinéma, il semblerait que ce soit à nouveau au tour de la sculpture d’exercer son influence. Mais seule une perspective historique permettrait de distinguer entre la répétition et le renouvellement des réponses apportées par les artistes d’aujourd’hui aux limites bidimensionnelles de la photographie. The young gallery SEE Studio seeks to take us “beyond the image” with this show of work by seven French artists born between 1980-86 whose work is too heterogeneous to constitute a group. Though several currently reside abroad, like Alexandre Maubert, based in Japan, this narrow geographic focus seems to be the two curators’ only limitation. Without representing these artists, the gallerists Valeria Cetraro-Escougnou and Édouard Escougnou have been able to involve them in a long-term project that has produced works never shown before, for the most part, explained by instructive interviews in the exhibition catalogue. “Beyond the image” is not a promise of invisible worlds. In fact, at first sight, it seems to be more about disappearance. The images are strikingly unstable. Emmanuel Le Cerf’s Superamas (Supermagnet) is simply powder contained between two transparent plates. The photos by Pia Rondé and Fabien Saleil are printed on glass (see the article on them in this issue of art press), while those of Alexandre Maubert seem to deteriorate. David De Beyter turns his images around or obliterates them, while Aurélie Pétrel fragments them. Her images are on the edge of immateriality and what they define is an ambiguous reality, a devastating natural disaster or science fiction. Visitors enter under a “Hollywood sign,” and then, under the shadow of a tornado, they go from craters and meteorites to Fukushima. What pulls together all the pieces in this show is also what differentiates them: the way that they go beyond not the image (they are all visual signs) but photography itself. Each of them starts or finishes with photography but can’t be reduced to that practice. The photographic object tends toward painting, but in configurations quite different from the model of paiting that has long prevailed. With Le Cerf and Maubert, it’s all a matter of pigment. With De Beyter, photos are printed on a wall and become frescos. With the others, photography is inseparable from sculpture, whether the image of a sculpture conceived to be photographed for Rondé and Saleil who, like Lenglet, also associate it with an object, or fused with its support, so that in this case, too, it becomes three-dimensional. For me the highlight of this show is Pétrel’s Partition : Fukushima #2 which reactivates here, for the third time (but in a far more unitary manner than in other venues), her “latent photos” taken in Fukushima, layering iconic and temporal strata “to produce a meaningful and even critical environment,” namely the way the West treated this catastrophe. Of course, we’ve seen sculptural treatments of photography before. The MoMA’s Photography into Sculpture took place in 1970. Yet after the dominant models in painting and film over the past few decades, once again it seems to be sculpture’s turn to exercise its influence. Only by taking an historical perspective would it be possible to distinguish between repetition and renewal as today’s artists respond to photography’s two-dimensional limits.

Translation, L-S Torgoff