L’image comme lieu

Galerie Michèle Chomette / 28 janvier - 21 mars 2015

Avec ses allures de manifeste, l’Image comme lieu ne pouvait que retenir l’attention. Sous-titrée Une position française, elle s’accompagne d’un texte qui identifie un problème et propose une solution : face à la « crise de croissance » de la photographie, dont la cause est son omniprésence et la conséquence la constitution, entre le réel et l’image, d’un « paysage-écran », il est nécessaire de renvoyer dos à dos « le fantasme d’une transparence documentaire » et l’« hystérie scopique » pour s’engager « sur ce paysage-écran, sur le terrain même où se fabrique l’image ». Certes, les dix artistes exposés, nés entre 1972 et 1985, ont d’autres points communs que d’être tous français et passés par l’école de photographie d’Arles. Leurs travaux indiquent un attachement à la photographie comme outil critique d’analyse du réel, une approche frontale du motif placé au centre de l’image et un intérêt pour la notion de territoire, au sens géographique du lieu et métaphorique de l’oeuvre. Cette « position française » est, en outre, étonnamment imprégnée par la photographie américaine, non par ses récents développements formalistes (la fonction descriptive que nos Français assignent au médium l’interdit), mais par la grande tradition du « style documentaire ». La banalité et la décrépitude des fragments de territoire photographiés par Nicolas Giraud dans la région de Saint-Étienne peuvent ainsi faire penser à Walker Evans et Lewis Baltz, tandis qu’Olivier Cablat puise dans cette histoire, avec autant d’affection que d’humour, un goût prononcé pour le vernaculaire des enseignes et des inscriptions. Pourtant, à ces propos univoques et ces positions partagées répondent des propositions diversifiées, pour ne pas dire hétérogènes. Il y a loin entre les solides tableaux de Pascal Amoyel et les paysages labiles qu’Isabelle Giovacchini a déjà partiellement effacés, entre le protocole de la série Rhodanie de Bertrand Stoflet, qui a suivi pendant sept ans le cours du Rhône juché sur une nacelle, et l’approche ouverte de la série Odds and Ends de Marie Quéau, entre les photographies autonomes de François Deladerrière et les gros plans de feux de Marine Lanier qui tirent leur force de leur ensemble, entre les territoires faits d’images trouvées par Louis Gary dans ses manuels scolaires et les studios de photographie d’oeuvres d’art de Marina Gadonneix dont l’image qui les justifie s’est retirée… C’est pourquoi, cette exposition est moins une affirmation qu’un ensemble de questions. Parmi elles, est-il possible de faire école en dehors de l’école elle-même ? et sans définir une esthétique facilement identifiable qui fit, par exemple, le succès de l’école d’Helsinki ? Est-il vraiment devenu illégitime de s’interroger sur des spécificités, à la fois nationales et propres à l’usage d’un médium? À ces questions, cette exposition sans commissariat autre que tous les artistes participants répond par la notion de groupe. Après le collectif, et comme le prouve un autre projet français, Being Beauteous, autour d’une photographie littéraire, le groupe semble ainsi redevenir la manière, souple et évolutive, de défendre des positions communes.

Étienne Hatt Image as Place was the kind of manifesto show that is bound to attract attention. Subtitled French Statement, it is presented by a text that identifies a problem and proposes a solution. Given the “growing pains” suffered by photography, caused by its omnipresence and the resulting creation of a “screenscape” between the real and the image, we need to get beyond both “the fantasy of a transparent documentary truth” and “scopic hysteria” and act “on this screenscape” itself, “right in the very area where the image is manufactured.” Certainly, the ten artists exhibited here, born between 1972 and 1985, have more in common than being French and having attended the photography school in Arles. Their work evinces an interest in photography as a critical tool for analyzing the real, a frontal approach to the subject,

Awhich they place at the center of the image, and an interest in the notion of the territory, in the geographical sense of place and the metaphorical sense of the artwork. This “French Statement” is also informed, to a remarkable extent, by American photography—not its recent formalist developments (the French emphasis on the medium’s descriptive function rules that out), but the great tradition of the “documentary style.” The banality and decrepitude of the fragments of territory photographed by Nicolas Giraud in the Saint-Étienne region may also bring to mind Walker Evans and Lewis Baltz. What Olivier Cablat humorously and affectionately takes from this tradition is a strong interest in vernacular signs and inscriptions. However, beyond the simple statements and shared positions, the propositions here are diverse, if not heterogeneous. The distances are great between the solid pictures by Pascal Amoyel and the labile landscapes that Isabelle Giovacchini has already partially erased, between the protocol of Bertrand Stoflet’s Rhodanie series, for which he spent seven years following the Rhône from up in a basket, and the open approach of Marie Quéau’s Odds and Ends, between the autonomous photographs by François Deladerrière and the close-ups of fires by Marine Lanier, whose power is collective, or between the territories made up of images found by Louis Gary in his school books and the artwork photography studios by Marina Gadonneix from which the justifying image has been withdrawn. That is why this exhibition is less an affirmation than a set of questions. Among them, is it possible to found a school outside school itself? And without defining an easy-to-identify aesthetic, as was the case, for example, with the School of Helsinki? Is it really no longer legit to think in terms of specificities, whether national or related to a specific medium? The answer that this exhibition, whose only curators are the participant artists themselves, offers is the notion of the group. After the collective, and as another French project, Being Beauteous, built around a literary form of photography, seems to prove, the group appears to be re-merging as a flexible, open-ended medium for advancing joint positions.

Translation, C. Penwarden