Hugo Boss Asia Art Award for Emerging Asian Artists, 2015
Rockbund Art Museum / 30 octobre 2015 - 3 janvier 2016 Si le Rockbund Art Museum est partenaire du prix Hugo Boss pour la création émergente en Asie du Sud-Est, c’est parce que la marque de prêt-àporter lui laisse l’entière initiative de l’organisation artistique du projet, de la constitution du jury (présidé par Larys Frogier, directeur du musée) jusqu’à l’exposition des travaux des nominés, le catalogue et un pro- gramme de recherche. Les six artistes retenus pour cette seconde édition (la première eut lieu en 2013) proviennent de Chine principale (Yang Xinguang et Guan Xiao, celle-ci sans doute la plus connue sur le plan international, présente à la biennale de Lyon), de Taiwan (Huang Po-Chih, auteur d’une belle pièce en hommage aux travailleurs du textile), des Philippines (Maria Taniguchi), de Birmanie et du Cambodge, reflets d’une aire géopolitique aussi passionnante que complexe. C’est Maria Taniguchi (1981) qui en est la lauréate pour de grands tableaux à la lumière sombre, à la fois conceptuels et formalistes, dont elle recouvre la surface d’un motif minuscule en forme de brique. Toutefois, j’ai préféré le Birman Moe Satt (1983), qui, entre performances, vidéos et installations ( Umbrellas : ensemble de grands parasols aux couleurs qu’adoptent diverses manifestations politiques de la région, dont le visiteur peut modifier la forme au moyen des huit zips dont ils sont chacun dotés), porte un regard à la fois humaniste et très précis sur la société birmane. Enfin, j’aurais attribué le prix à Vandy Rattana (Cambodge, 1980), un artiste d’une rare qualité dont les oeuvres évoquent l’histoire tragique de son pays : sa propre soeur fut l’une des nombreuses victimes des Khmers rouges. Une vidéo inoubliable ( Monologue, 2015, coproduite par le Jeu de Paume et le CAPC) narre la recherche de l’endroit où elle repose. Audelà des attendus de l’art, Rattana secoue l’oublieuse mémoire en lui opposant la mise en forme de ce qui désormais est invisible. Just as was once his habit in Rennes, Larys Frogier is fully engaged in the study of aesthetic and social issues in the post-global context whose profound changes call for a rethinking of the modalities of curatorial practices as well as making art. The Rennes years were decisive in Frogier’s education after he left Papeete and his native French Polynesia to study philosophy and then art history at the university where Jean-Marc Poinsot was his thesis director. His work initially focused on the question of temporality in American art criticism during the 1970s, especially the October group. Early on he took an interest in cultural studies, and more particularly activist critics and artists who responded to the AIDS epidemic in their own activities, artwork, exhibitions and even modalities of thought. AIDS deeply marked the work of Felix Gonzalez-Torres, as well as the texts of Graig Owen and Douglas Crimp. He began writing a dissertation on the representation of the contemporary subject. This kind of critical approach so characteristic of postStructuralism and neo-Marxism could lead one to believe that Frogier was more concerned with political and social questions than the formal and sensuous reality of artworks. Perhaps it was the frustration of his proximity with artists that convinced this born teacher to become director of an art center director. “I believe,” he confided years later, “that teaching is foundational to everything, including the way you work at a museum. An exhibition space can’t exist without a continual practice of thinking. That’s what’s at the heart of its activity.” The first exhibition he curated was the veritable manifesto Ex-Change (Simone Decker, Christelle Familiari, Gonzalez-Torres, Nan Goldin, etc.) in 1999 at La Criée in Rennes. At that point he was thinking about “identification as alterity” in res-