Arts et cinéma, 120 années d’échange
Caixa Forum / 16 décembre 2016 - 26 mars 2017
Outre la mise en valeur de l’exceptionnelle collection de la Cinémathèque française, le commissaire, Dominique Païni, fait une démonstration méthodologique : la mise en relation des pièces (près de trois cents et une soixantaine d’extraits de films) peut suffire et rendre les cartels redondants. Son goût des associations intempestives donne lieu à un didactisme visuel réjouissant et tonique. Païni associe les objets les plus divers, des oeuvres plastiques prestigieuses et des extraits de films qui n’ont parfois, a priori, aucun rapport, illustrant l’adage de Robert Bresson sur le montage : « Rapprocher les choses qui n’ont encore jamais été rapprochées et ne semblaient pas prédisposées à l’être. » L’exposition est scrupuleusement chronologique et avance par décennies. Bien que ne pouvant pas prétendre à l’exhaustivité et revendiquant l’exigence d’une sélection pointue et exemplaire pour chaque période, elle comble le visiteur en créant un sentiment d’ouverture rétrospective : Monet et les Frères Lumière, le cubisme et Émile Cohl, le pop art et Jean-Luc Godard… Le parcours ose des éclairs anachroniques, donnant aux artistes contemporains présentés un statut inattendu d’historiens de l’art : Robin Rhode regarde Muybridge, Oscar Munoz s’intéresse à Cocteau et Eduardo Arroyo se tourne vers Hitchcock. Une ultime salle rassemble Patrick Bokanowski, Paul Sharits, Nemanja Nikolic’, David Lynch, Tadzio, Sarkis, Jean-Michel Meurice et Ange Leccia. Elle offre une spéculation sur l’avenir du cinéma depuis les moyens archaïques (eau, encre, papier, diapositives, pellicule peinte…) que les artistes réempruntent aujourd’hui, et qui implique ici un versant muséographique fait de technologie et de poésie. C’est à une histoire du cinéma inédite que l’exposition convie, fondée sur les rapports que cet art impur entretient avec la noblesse picturale. Son titre aurait pu insister plus encore sur la peinture présente à travers des maîtres, tels qu’Eugène Boudin, Hans Richter, et des Lettristes comme Gabriel Pomerand et Isidore Isou. Les proximités retenues sont toujours l’occasion de réfléchir sur l’époque de référence des images rapprochées : les métaphores urbaines de Vieira da Silva et le gra- phisme de l’affiche de Playtime de Jacques Tati, le visage bleu de Pierrot le Fou et un monochrome bleu d’Yves Klein articulés avec la radicale affiche de Quatre Nuits d’un rêveur de Robert Bresson. Retenons également le choix pertinent d’affiches qui suscite, à l’égard de cet ordinaire outil promotionnel, un indéniable regain de considération plastique. Les sérigraphies des années 1910 et 1920 et les culots graphiques des années 1960 servent cette réévaluation. Par ailleurs, la scénographie tire un profit ludique et pédagogique des reflets des projections, des vitres de protection et des vitrines : que de tandems mythiques, artistiques et conjugaux reconstitués par ces jeux spéculaires !
Alix Agret Curator Dominique Païni’s display shows that if the exhibits (nearly 360 film excerpts) are intelligently juxtaposed, labels become redundant. His taste for unexpected associations results in some highly entertaining and invigorating visual didacticism. Païni combines some
very diverse items, including prestigious works of visual art and excerpts from films that seem quite unrelated. In this sense he is following the Robert Bresson’s famous maxim about editing: “Bring together things that have as yet never been brought together and did not seem predisposed to be so.”
Although not claiming to be exhaustive and insisting on a keen, exemplary selection for each period, this show satisfies by creating an impression of retrospective openness: Monet and the brothers Lumière, Cubism and Émile Cohl, Pop Art and Jean-Luc Godard—the sequence makes bold, anachronistic diversions, giving the contemporary artists here a status that would surprise art historians: Robin Rhode faces Muybridge, Oscar Munoz takes an interest in Cocteau and Eduardo Arroyo turns to see Hitchcock. A final room unites Patrick Bokanowski, Paul Sharits, Nemanja Nikolic’, David Lynch, Tadzio, Sarkis, Jean-Michel Meurice and Ange Leccia. It speculates on the future of cinema using “archaic” mediums such as water, ink, paper, slides and painted film stock) which these artists have appropriated, and which engenders a museographic feel that is a mix of technology and poetry. At the same time, the show offers a fresh take on the history of cinema, based on relations between this impure art form and the “high” art of painting. Its title could easily have given greater emphasis to painting, which is represented here by masters ranging from Eugène Boudin and Hans Richter to Lettristes such as Gabriel Pomerand and Isidore Isou. The juxtaposition always stimulates thoughts about the periods to which the images belong: the urban metaphors of Vieira da Silva and the graphics of the poster for Jacques Tati’s Playtime, the blue face of Pierrot le Fou and a blue monochrome by Yves Klein articulated with the poster for Robert Bresson’s Four Nights of a Dreamer. The posters here are indeed worthy of attention, showing the visual potential of this promotional tool, exemplified by the silkscreens of the 1910s and 20s and the graphic daring of the 1960s. Finally, the exhibition design makes puckishly playful use of the reflections from the projections, the protection panels and the glass surfaces, whose interplay recreates all kinds of mythic, artistic and conjugal pairings.
Translation, C. Penwarden