Documenta à Athènes
Divers lieux / 8 avril - 16 juillet 2017
Il y avait des mois que le monde de l’art en parlait : la Documenta a ouvert en avril à Athènes, avant de se poursuivre en juin à Cassel. Pour cela, Adam Szymczyk, son commissaire, a déployé un certain courage de résistance aux critiques. Car celles-ci ont été nombreuses à l’annonce de son programme, tant à Cassel dont les élus craignaient d’être dépossédés de la Documenta, qu’à Athènes où les Grecs ont mal compris ce débarquement de l’Allemagne, leader de l’Europe, dans le contexte de la crise récente. Par exemple, une Biennale d’Athènes contestant la Documenta a pris pour titre Waiting for the Barbarians. Cette double édition est conçue moins comme un événement que comme une aventure au long cours, entamée il y a près de deux ans, quand les différents commissaires se sont installés à Athènes. Ont été lancés des numéros d’une revue ( South as a State of Mind), des émissions de radios et de télévisions inspirées par des séminaires ouverts, parmi lesquels le Parlement des corps de Paul Preciado (voir art press n°433). L’objectif est de prolonger ces chantiers comme une « institution expérimentale » qui tente de réinventer les usages de l’économie, de la politique, du genre. Adam Szymczyk s'exprime étonnamment peu sur son titre Learning from Athens, si ce n’est pour dire un sentiment d’urgence et une volonté d’engagement sans faux espoirs devant les troubles qui menacent le monde occidental – écho troublant, comme il le souligne, à l'objectif initial qu'avait la Documenta de reconstruire une culture européenne après la Seconde Guerre Mondiale. « Nous sommes contre les explications », répète-t-il en laissant planer beaucoup de doutes, jusqu’au moment où l’on comprend que ce flottement s’incarne dans un cadre musical qui plane discrètement sur toute la Documenta : la notion de « continuum » empruntée au compositeur grec Jani Christou. Comme l’explique Szymczyk, c’est « une forme ouverte d’action commune, une partition pour des actions qui peuvent se passer dans une période non déterminée, et qui met en jeu différents acteurs et leurs contributions sans scénario prédéfini. » Le jour de l'inauguration, dans l’immense amphithéâtre du Mégaron, le rideau s'est levé sur l’ensemble de l’équipe assise sur scène face au public, hurlant et gesticulant comme des furies : c'était une performance composée à partir du protocole Epi- cycle (1969) de Jani Christou. Comme l’explique Pierre Bal-Blanc, l’un des commissaires invités, Adam Szymczyk a voulu abdiquer le rôle du commissaire général pour l’ouvrir à ses invités, parmi lesquels Elena Sorokina et Bonaventure Soh Bejeng Ndikung. Le continuum de la Documenta s'étend même aux gardiens qui effectuent de temps à autre des actions de leur choix, et même éventuellement aux visiteurs. Cela explique peut-être le côté tantôt désordonné tantôt trop manichéen de cette Documenta, mais c’est aussi le gage de sa vitalité Du Nord au Sud d’Athènes le long de la rivière Ilissios chère à Socrate, le parcours se déploie dans quatre lieux principaux et une myriade de petits espaces qui offrent un contexte touchant de dialogue avec des oeuvres. Le plus réussi est le conservatoire de musique (Odéon), superbe bâtiment de béton, de brique et de marbre dessiné selon la forme d’un manche de guitare, ou d’une portée de musique par Ioannis Desmotopoulos. Il était resté inachevé et en partie inactif depuis sa création en 1959. Pierre BalBlanc a pensé ce lieu « comme un piano préparé ». Les peintures de paysages de l’Albanais Edi Hilla et les dessins musicaux et abstraits de la pakistanaise Lalla Rukh dialoguent magnifiquement avec les obliques et les virgules qui ponctuent les salles. Les meubles-instruments de Nevin Aladag résonnent silencieusement avec les instruments inventés par Guillermo Galindo, tandis que Pélagie Gbaguidi, « griote » d’aujourd’hui, comme elle se définit elle-même, compose des « autels » qui font monter la voix du trauma sud-africain. Le musée d’art contemporain EMST accueille une exposition un peu trop clinique et très hachée, qui bascule en permanence entre sentiment de contrainte et de libération – à la décharge des organisateurs, l'utilisation du lieu n’a été accordée qu’au tout dernier moment. De grandes lignes s’en dégagent: une réflexion sur l’économie au rez-de-chaussée (Beau Dick, Sammy Baloji…), suivie d’un étage sur l'indétermination des corps (Alina Szapocznikow) et la vie des esprits, avec notamment un beau dialogue entre Cecilia Vicuña et Kvay Samnang (voir art press n°437). Etrangement autoritaire, l’étage suivant est consacré au travail, avec plusieurs peintres albanais réalistes socialistes parmi lesquels Arben Basha, et un superbe ensemble de photographies et de reliefs tissés et brodés de Maria Lei qui associe au contraire le travail du fil au rituel – elle est aussi annoncée à la Biennale de Venise. La visite se conclut dans des tonalités à la fois mélancolique (Lisa Weinberger) et tragique (Forough Farrokhzad) et sur le questionnement du visible et de l’invisible (les Gens d’Uterpan). L’école des beaux-arts (AFSA) est dès l’entrée placée sous le signe du collectif, avec une intéressante évocation de plusieurs communautés ( The Sea Ranch de Anna et Lawrence Halprin, Shantinikettan, Cudad Abierta). Plus loin, c'est le sujet de l’environnement qui est abordé (Bonita Ely, Olaf Holzapfel) et celui des migrations (Artur Zmijewski, Bouchra Khalili). Accroché lui aussi selon de forts contrastes, le musée Benaki Pireus montre d’abord des oeuvres qui traitent de dictatures (une vidéo de Angela Ricci et Gianikian, une série complète de peintures datant des années 1970 du congolais Tschibumba Kanda Malulu). Il se conclut dans des mondes imaginaires, avec une salle qui rassemble trois dessins d’animaux de Miriam Cahn, des broderies Sami de Britta Marakall Laba sur la vie des âmes, des peintures naïves haïtiennes d’André Pierre qui mettent en scène le Baron Samedi et, pour finir, de beaux tableaux de RH Quaytman. Adam Szymczyk recommandait de commencer la visite par les petits lieux. Ce n’était pas un mauvais conseil car ceux-ci sont particulièrement habités, comme l’installation d’Andreas Angelidakis, faux cabinet de psychanalyste qui deviendra son atelier à la fin de l’exposition : invitation de la ville d’Athènes sur son divan, plongée dans son monde intérieur, et discret hommage à son père dans une image de la crise avant la crise. Les visites du musée d’épigraphie, du musée de numismatique (ancienne maison de l’archéologue Heinrich Schliemann, découvreur de Troie), et de l’école Polytechnique révèlent respectivement des oeuvres du photographe Gauri Gill, de Dan Peterman, et de Rainer Oldendorf sur le voyage qui a conduit Le Corbusier de Marseille à Athènes pour le Congrès des Architectes qui a donné lieu à la signature de la Charte d’Athènes en 1933. Aucune de ces oeuvres ne se démarque de façon inoubliable, mais certaines offrent cependant de jolis moments. Finir cette dérive par un moment au musée archéologique du Pirée donne peut-être le mieux son sens à l’ensemble de ces expositions : des performances signées de plusieurs artistes dont Marie Cool et Fabio Balduccia, Maria Eichhorn, David Lamelas, Prinz Gholam, et coordonnées par Kostas Tsioukas font écho aux stèles et aux bronzes antiques. Ils disent l’éternité du présent, et l’actualité des questions que cette Documenta a au moins avoir le mérite de soulever. After several months of intense art world buzz, part one of Documenta 2017 finally opened in April in Athens. Part two will begin in June in Kassel, its traditional home. This two-site approach required artistic director Adam Szymczyk to demonstrate courage in the face of his many critics. In Kassel, some people, including local officials, denounced him for downgrading the role of that German city, while in Greece not everyone was thrilled by a German disembarkation in the context of Athens’ continuing financial tussle with the Berlin-led
EU. For example, an Athens biennial contesting Documenta adopted the title Waiting for the Barbarians. This double showcase edition was conceived not so much as an event, more as a long journey first commenced almost two years ago when the curators of this year’s Documenta first took up residence in Athens. They put out three issues of a review ( South as a State of Mind) and did radio and TV shows based on open seminars, including Paul Preciado’s Le Parlement des corps (see artpress no. 433). The objective is to continue these efforts and create an “experimental institution” whose purpose is to reinvent economics, politics and gender. Szymczyk has had surprisingly little to say about the biennial’s subtitle, Learning from Athens, except to express a feeling of urgency and the need for clear-eyed political engagement in the face of the disasters threatening the Western world. There is a disturbing parallel, he points out, with Documenta’s original mission, to reconstruct a European culture after World War II. “We are opposed to explanations,” he has repeatedly insisted, instead offering a kind of fluttering. In fact, this fluttering is at the core of a musical concept that could be considered this Documenta’s bass line, the notion of “continuum” borrowed from the Greek composer Jani Christou. As, despite his doctrine, Szymczyk does explain, this is “an open form of joint action, a score for actions that can occur over an undetermined period of time, bringing into play different actors and their contributions without a predefined script.” On opening day, as the curtain rose at the immense Megaron amphitheater, visitors saw the entire Documenta team sitting facing the audience, screaming and gesticulating as if they were Greek furies in a performance based on the protocols for Christou’s Epicycle. Pierre Bal-Blanc, one of the biennial’s guest curators, says that Szymczyk wanted to abdicate from his role as a curator in chief to offer a bigger role to his colleagues, among them Elena Sorokina and Bonaventure Soh Bejeng Ndikung. Documenta’s continuum is open to the security guards, who periodically perform actions of their choosing, and even, perhaps, visitors. This may account for the event’s sometimes disorderly and at others overly Manichean dimension, but is also an assurance of its vitality. The venues are located on a northsouth axis running through the city along the river Ilissios so dear to Socrates, in four main venues and a myriad of smaller ones that in many cases offer a poignant context in dialogue with the artworks. The most successful venture is in the music conservatory (the Odeion), a superb building of concrete, brick and marble in the shape of a guitar fingerboard or a stave of a musical composition by Ioannis Desmotopoulos. Built in 1959, it was to be part of a large complex of cultural venues that was never built. Bal-Blanc conceived this building as a “giant prepared piano” to which various elements could be affixed. The landscape paintings of the Albanian artist Edi Hilla and the musical, abstract drawings of Pakistan’s Lalla Rukh enter into a magnificent dialogue with the site’s oblique angles and squibbles. Nevin Aladag’s musical instrument furniture resonates silently with the instruments invented by Guillermo Galindo. Pélagie Gbaguidi, a “contemporary griot,” as she describes herself, makes “altars” that give voice to South Africa’s unresolved trauma. The EMST contemporary art museum hosts an exhibition that is perhaps a bit too clinical and very fragmented, the effect constantly wavering between a feeling of constraint and liberation, although, to be fair to the organizers, the venue was not made available until the very last minute. The show here is organized thematically: economics on the ground floor (Alina Sza- poschnikow) and, upstairs, the life of the spirits, most notably the excellent conversation between Cecilia Vicuña and Kvay Samnang (see artpress no. 437). The rather authoritarian upper floor features an ensemble of Albanian Socialist Realist painters, among them Arben Basha, and an excellent set of photos and embroidered and woven reliefs by Maria Lei, who associates her practice with rituals. She is slated for the Venice Biennale. The show ends with strains of melancholy (Lisa Weinberger) and tragedy (Forough Farrokhzad), and an interrogation of the visible and invisible ( Les Gens d’Uterpan). The show at the Athens School of Fine Arts (AFSA) begins with work about various communities (The Sea Ranch development designed by Hannah and Lawrence Halprin, Shantinikettan, Cudad Abierta). Then come social questions, the environment (Bonita Ely, Olaf Holzapfel) and migration (Artur Żmijewski, Bouchra Khalili). The hanging at the Benaki Pireos museum also presents strong contrasts. Work on the theme of dictatorships (a video by Angela Ricci and Gianikian, a set of paintings from the 1970s by the Congolese Tschibumba Kanda Malulu) is followed by the topic of imaginary worlds, with a room bringing together terrific animal drawings by Miriam Cahn, Sami (Lap) embroideries by Britta Marakall Laba about the life of souls, the Haitian naïve painter André Pierre’s depictions of Baron Samed, and paintings by R.H. Quaytman. Szymczyk recommended that visitors start their tour at the smaller venues. That was good advice, because they are marked by particularly striking presences, like Andreas Angelidakis’ installation, a fake psychotherapist’s office that will become his work studio at the end of the exhibition. It is simultaneously an invitation to the city of Athens to take its place on the analyst’s couch, a plunge into his interior world and a discreet tribute to his father in an image of the crisis before the crisis. Visits to the epigraphy museum (the former home of the archeologist Heinrich Schliemann, famous for finding the ruins of Troy) and the Polytechnic School, respectively, discover work by the photographer Gauri Gill, Dan Peterman and Rainer Oldendorf about Le Corbusier’s trip from Marseille to Athens for the 1933 Congess of Architects that led to the signing of the Charter of Athens. There’s nothing particularly outstanding about any of this work, but some of it is winning. Ending the day at the Piraeus archeological museum may be the best way to get an overall sense of these exhibitions. Performances by artists including Marie Cool and Fabio Balducci, Maria Eichhorn, David Lamelas, and Prinz Gholam, under the baton of Kostas Tsioukas, go well with the ancient steles and bronzes. They speak of the eternity of the present and the urgency of the questions that this Documenta has at least the merit of raising.
Translation, L-S Torgoff