Biennale de Lyon les mondes flottants
Interview d’Emma Lavigne par Anaël Pigeat
20 septembre 2017 - 7 janvier 2018
Pour la nouvelle édition de la Biennale de Lyon intitulée
les Mondes flottants, Emma Lavigne, directrice du Centre Pompidou-Metz, s’appuie sur une vision particulière du mot « moderne » suggéré par Thierry Raspail, le directeur de la Biennale. Elle exprime sa vision d’un monde liquide, à la fois mélancolique et vivant. Comment reliez-vous vos Mon
des flottants à l’idée de « moderne » ? J’ai souhaité explorer la façon dont le moderne a nourri mon travail de commissaire, dans une approche qui privilégie les notions de flux, d’aléatoire, d’immatérialité. Je me réfère souvent à la modernité de la musique qui devient ambiante chez Erik Satie ou conduit à la fragmentation chez Arnold Schönberg. Quand nous avons fait l’exposition Danser sa vie, avec Christine Macel, nous voulions étudier combien la danse avait été une étincelle essentielle dans la modernité des arts plastiques. Cette propension à l’ouverture est aussi très présente dans la littérature, depuis les mots en liberté qui apparaissent sur la page ouverte de Stéphane Mallarmé. Cette sensibilité moderne est sousjacente à la pensée d’Umberto Eco qui, dans son ouvrage l’OEuvre ouverte (1965), envisageait l’oeuvre comme un « champ d’événements ouvert au hasard d’un devenir accidentel. » L’enjeu est de révéler l’oeuvre d’art comme « un infini contenu dans le fini », selon les mots de Luigi Pareyson. Il s’agit aussi, à travers le projet de Jill Magid, de questionner la fragilité de ce concept et de l’héritage du moderne, quand celui-ci est confisqué. Dans un rapport plus métaphorique à la modernité, l’artiste développe un projet sur les archives de Luis Barragán, grande figure du modernisme archi- tectural mexicain, qui sont inaccessibles depuis vingt ans, leur propriétaire en empêchant l’accès aux chercheurs et aux artistes… La finalisation de la forme correspond à une partie de l’histoire de l’art, mais pas à sa totalité. C’est cette deuxième trajectoire, plus duchampienne, qui m’intéresse le plus. À l’occasion de l’exposition de Dominique Gonzalez-Foerster au Centre Pompidou en 2015, j’ai souhaité rendre sensible combien son dialogue, ravivé par la musique, la littérature et le cinéma, génère un nouvel espace, tant physique que mental, dont la forme réinvente celle de l’opéra, conjuguant une multiplicité de temps, de lieux et de récits. Avec Pierre Huyghe, les projets s’engendrent les uns les autres. Dans l’exposition Jardin infini à Metz, la Jardinière de Thierry De Cordier est à la fois une sculpture, un écritoire, un ermitage, et dans le film C.H.Z. ( Continuously Habitable Zones) de Philippe Parreno, un jardin devient un scénario, puis un film, qui continue à vivre indépendamment selon sa propre temporalité. Dans la précédente édition de la Biennale, Ralph Rugoff se référait à Baudelaire dans son exaltation de « la vie moderne ». J’ai souhaité à nouveau interroger la portée de cette référence à travers cette autre définition, où il envisage le moderne comme « le transitoire, le fugitif, le contingent, la moitié de l’art dont l’autre moitié est l’éternel et l’immobile ». J’ai également réfléchi aux mots de Rainer Maria Rilke, qui questionnait la place du poète et de l’artiste au sein du monde moderne. La Biennale explore la persistance de la sensibilité moderne pour les flux, la dissolution des formes.
LIQUIDITÉ
Pourquoi avoir choisi de vous appuyer sur l’ukiyo- e japonais ? Ces définitions de la modernité, conjuguées à la pensée de John Cage, sont proches de la philosophie bouddhiste, qui privilégie la contemplation à la consommation esthétique. La Biennale emprunte son titre au mot japonais ukiyo-e qui apparaît à un moment de crise morale au Japon, à l’époque de Heian ( 794-1185). Le monde où les êtres passent, s’évanouissent et réapparaissent sans fin est envisagé dans son impermanence. Aujourd’hui, nous sommes dans une situation qui peut sembler semblable. Plutôt que d’avancer des certitudes, j’ai laissé advenir les pensées de certains artistes qui captent et transfigurent cet état du monde, cet entre-deux parfois instable.
Cette liquidité du monde est une des caractéristiques de notre époque. C’est en effet dans le contexte d’une mondialisation galopante, générant une constante mobilité et l’accélération des flux − cette « liquidité » du monde et des identités analysée par Zygmunt Bauman − que la Biennale explore l’héritage du concept de « moderne » dans la création actuelle. Le sociologue décrit la société contemporaine comme en constante mobilité, générant la dissolution des relations et des identités, le déracinement des individus « hypermodernes ». Sa critique de la modernité, dont il revèle l’essence totalitaire − où la sécurité occupe une place envahissante au détriment de la liberté − appelle à une réévaluation de la place de l’homme dans le monde. C’est comme si la pensée rhizomatique de Gilles Deleuze et Félix Guattari ou la structure archipélique du monde d’Édouard Glissant prenaient une forme réellement tangible aujourd’hui. Comment maintenir une forme d’intensité, s’interroge aujourd’hui Tristan Garcia dans la Vie intense, alors qu’on assiste à la démultiplication des flux ?
Le vivant sera-t-il présent dans les
Mondes flottants, voire dans la structure même de la Biennale ? Je voudrais avant tout que les spectateurs se sentent vivants en visitant l’exposition. Certains artistes travaillent effectivement avec des formes vivantes, même si cela n’a pas été un critère de choix pour le projet. Tomás Saraceno réactive sa Cosmic Dust, où la toile d’araignée devient une représentation du cosmos et capte une parcelle des quarante mille tonnes de poussière cosmique qui tombent sur la Terre chaque année… Ce qui m’intéresse est surtout la question de la forme ouverte de l’oeuvre ou de l’exposition. Sans que cela ne devienne trop littéral, j’ai souvent envie d’ouvrir l’espace. Il y aura dans l’exposition des gestes qui en réactivent d’autres, en une sorte de critique de la modernité. Je voudrais que les éléments transforment le bâtiment par leur flux et leur logique intrinsèque, échappant à la muséification de la forme. Certaines oeuvres de Lygia Pape font exploser le white cube, comme dans New House, une maison détruite par le temps. Daniel Steegmann Mangrané développe un projet tropicalisant un espace sculptural par ailleurs strictement moderniste. Ses oeuvres agissent sur nos sens et fissurent notre représentation du monde ; elles y tracent un autre cheminement, une bifurcation susceptible de nous rapprocher davantage du vivant. Pour lui, l’espace d’exposition ne peut plus être un espace d’accumulation d’artefacts isolés et protégés de l’extérieur, mais un lieu où notre rapport aux objets et à la réalité est reconfiguré.
PAYSAGE
Comment avez-vous conçu le parcours ? Je voudrais que les visiteurs deviennent les promeneurs d’un paysage imaginaire, entreprennent un voyage au sein d’un archipel d’îlots qui sont parfois des haltes ou des scènes. Pour la Sucrière, qui date de 1930, je réfléchis à une scénographie presque immatérielle, réduite au minimum d’intervention et de construction de murs – « construire un mur » a un sens particulier depuis quelques années. En 2015, pour le projet rêvolutions de Céleste Boursier-Mougenot au pavillon français à la Biennale de Venise, nous avions déjà souhaité conserver une verrière cassée. Cette béance qui laissait advenir les éléments, les accidents du climat, était porteuse de sens. Un troisième lieu évoquant le nomadisme prendra place dans la ville entre le MAC et la Sucrière, avec un Dome géodésique de Richard Buckminster Fuller, architecture utopique et nomade, une des oeuvres phares de la collection d’architecture du Centre Pompidou, prêtée à la Biennale dans le cadre de son 40e anniversaire. Des axes thématiques traversent les deux sites, tel Ocean of Sounds, inspiré du livre de David Toop. L’espace se fissure, est envahi par les flux sonores : des pluies électroniques de Rainforest de David Tudor aux bruissements du monde diffusés par l’immense tour de Babel de l’artiste brésilien Cildo Meireles jusqu’à la mélodie rythmique de l’eau résonnant dans la Sonic Fountain de Doug Aitken, ou les vibrations des hélices soniques de Susanna Fritscher. Flux et reflux rassemble des oeuvres liées aux mots, à la littérature : de Marcel Broodthaers aux haïkus de Marco Godinho, de la poésie de Julien Creuzet à Rivane Neuenschwander. Cette dernière travaille les mots qui apparaissent sur les banderoles dans les manifestations ; elle les agence dans des formes poétiques que les visiteurs peuvent recomposer et porter comme des étendards sur leurs vêtements. Un autre axe intitulé les Cosmogonies intérieures relie les peintures de Lucio Fontana aux nouvelles cosmogonies imaginées par Tomás Saraceno, Dominique Blais, Yuko Mohri ou Icaro Zorbar. Le rez-de-chaussée de la Sucrière est habité par les oeuvres de Hans Haacke, et les Floats de Robert Breer qui semblent mus par une force animiste et libertaire. Ephemeral Cinema de Pratchaya Phinthong, petit véhicule équipé d’un projecteur, sortira de temps en temps de l’exposition pour projeter des films en ville. Au premier étage de la Sucrière, les personnages encapsulés de Darío Villalba, les projets d’Anawana Haloba et de Philippe Quesne questionnent l’ancrage des individus dans le monde contemporain. Le dernier étage se divisera en scènes : par exemple, Melik Ohanian montrera un nouveau film réalisé sur le toit de son ancien studio à Brooklyn, inspiré par le roman Plans de Rudy Wurlitzer.
SUBVERSION
Il y a, parmi les invités, des artistes avec lesquels vous avez souvent travaillé, mais aussi des absents comme Pierre Huyghe ou Dominique Gonzalez-Foerster. Ceux qui ne sont pas là sont, d’une certaine façon, présents par la réflexion que j’ai eu la chance de nouer avec eux et qui continue de m’animer. Je veux leur laisser le temps de penser de nouveaux projets après avoir mené ces collaborations exceptionnelles. Dominique Gonzalez-Foerster a été très généreuse avec le Magrovama créé pour notre exposition Jardin infini à Metz ; Pierre Huyghe est à 100% sur son projet de Skulptur Projekte à Münster… Mais les histoires continuent ! Il y a aussi de jeunes artistes peu vus en France, dont les origines dessinent un axe qui relie le Japon à l’Amérique du Sud. C’est au cours de mes voyages, notamment au Japon dans le cadre de la saison japonaise que nous préparons au Centre Pompidou-Metz, que j’ai découvert le travail de certains artistes comme Yuko Mohri, qui questionne l’héritage de la modernité européenne à travers les figures de Duchamp et d’Erik Satie. Elle n’a jamais exposé en France et je lui ai proposé de présenter deux projets différents. Certains artistes liés à l’Amérique latine sont aussi invités à réaliser de nouvelles oeuvres, comme Daniel Steegmann Mangrané, installé au Brésil, qui a conçu la scénographie de Jardin infini. L’artiste colombien Icaro Zorbar, installé en Norvège, travaille comme un metteur en scène dans le temps et la durée et imagine pour Lyon une nuit cinétique. D’autres artistes comme Anawana Haloba, née en Zambie, qui n’a jamais été montrée en France, ou Julien Creuzet, explorent les dynamiques du chaos, du nomadisme et de la circulation chères à Glissant. Leurs oeuvres remettent en cause l’abstraction de la modernité européenne, afin d’en réévaluer la portée à l’échelle du monde. Vos Mondes flottants semblent traduire la quête d’une certaine intensité de l’existence dans une atmosphère de gravité et de concentration. Je me sens en effet animée par la mélancolie dans ce qu’elle a paradoxalement de plus vivant, de créatif et de dynamique ! Les questions de l’écoulement, de la disparition et de l’entropie hantent ma réflexion en général, par ce qu’elles peuvent laisser advenir de nouveau, par leur capacité à engendrer une dimension poétique et une beauté contemplative. Shimabuku est en quelque sorte l’image de la Biennale avec When Sky Was Sea. Il réinvente le monde en le renversant avec humour. Il a choisi de se réinstaller dans un Japon meurtri ; je suis fascinée par sa poétisation hyper consciente de l’état du monde. De la même façon, il était important pour moi de présenter des oeuvres historiques – comme les écosystèmes de Hans Haacke, White Wide Flow ou Circulation – jamais exposées en France. Ces artistes expriment une vision du monde à la fois contemplative et subversive qui échappe à l’espace d’exposition, pour nous conduire dans des mondes autres. Propos recueillis par
Anaël Pigeat
Lygia Pape. « Divisor (Divider) ». 1968. (© Paula Pape / projeto Lygia Pape). [Corps électriques] Underlying this new edition of the Biennale de Lyon titled Les
Mondes flottants is a particular understanding of the word “modern,” a motif suggested by Thierry Raspail, the Biennale’s director. Here the show’s curator, Emma Lavigne, director of the Centre Pompidou-Metz, explains this vision of a liquid world simultaneously melancholy and alive. How do you link your floating worlds with the idea of the “modern”? I wanted to explore the way this concept has run through my work as a curator. My approach privileges the notions of flux, chance, and immateriality. I often refer to modernity in music, whether ambient music with Erik Satie or the tonal fragmentation of Arnold Schönberg. When I was working with Christine Macel on the exhibition Danser sa vie, we wanted to bring out how much dance served as an essential spark in the rise of modernity in the visual arts. This propensity for openness was also very present in modernist literature, such as the
words freely appearing on the open page in the poetry of Stéphane Mallarmé. The heritage of this modern sensibility underlies the thinking of Umberto Eco who, in his 1962 book Opera aperta (English edition: The Open Work, 1989), envisioned the artwork as “a field of events randomly open to some accidental unfolding. ” I wanted to bring out that an artwork is “an infinite contained within the finite,” as Luigi Pareyson wrote. With Jill Magid’s project, there is an interrogation of the fragility of this concept and the heritage of modernism since its confiscation. Hers is a more metaphorical relationship to modernity. She made a piece about the archives of Luis Barragán, an emblematic figure of architectural modernism in Mexico, which have been unavailable for twenty years since they were acquired by an owner who denies access to researchers and artists. The finalization of the form corresponds to part of art history, but not its totality. I am especially interested in the more Duchampian trajectory. For the Dominique Gonzalez-Foerster exhibition at the Pompidou Center, I wanted to bring out how her dialogue, freshened by music, literature and film, generates a new physical as well as mental space, like a reinvented form of opera with a multiplicity of timelines, places and narratives. With Pierre Huyghe, one project leads to another. In the exhibition Jardin infini in Metz, Thierry De Cordier’s La Jardinière (The Flowerbed) is simultaneously a sculpture, an inkwell and a hermitage, and in the film C.H.Z. (Continuously Habitable Zones) by Philippe Parreno, a garden becomes a script and then a film, continuing to live independently according to its own temporality. At the previous biennial, Ralph Rugoff referred to Baudelaire’s exaltation of “modern life.” I wanted to reexamine the significance of this reference through another passage where he envisages modernity as “the transitory, fleeting and contingent, the half of art whose other half is the eternal and unchanging.” I also thought about Rainer Maria Rilke. The Biennale explores the persistence of the modern penchant for flux and the dissolution of forms.
LIQUIDITY
Why did you choose to base this show on the Japanese ukiyo-e? These definitions of modernity, together with the thinking of John Cage, are close to Buddhist philosophy, which privileges contemplation over aesthetic consumption. The Biennale took its title from the Japanese term ukiyo-e that appeared at a moment of moral crisis in Japan during the Heian period (7941185). The world through which all human beings pass, endlessly disappearing and then reappearing, is seen as above all impermanent. Today we are in a situation that could be considered similar. Rather than putting forward certainties, I just give free rein to the thinking of certain artists who have captured and transfigured this state of the world, this sometimes unstable in-betweenness.
This liquidity of the world is one of the characteristics of our era. It’s in the context of a galloping globalization generating constant mobility and an acceleration of flows—this “liquidity” of the world and identities analyzed by Zyg- munt Bauman—that this Biennale explores the heritage of the concept of “modern” in contemporary art. The sociologist defines today’s society as one in a constant state of flux, generating the dissolving of relations and identities and a feeling of unrootedness among “ultramodern” individuals. He reveals the totalitarian essence of modernity—a society where invasive security concerns displace concerns about freedom—and his critique calls for a reevaluation of humanity’s place in the world. It’s as if the rhizomatic approach of Gilles Deleuze and Félix Guattari or Édouard Glissant’s archipelagically structured world were taking a truly tangible form today. How can a form of intensity be maintained, Tristan Garcia asks in La Vie intense, today when we are witnessing the proliferation of streams?
Will life forms feature in Les
Mondes flottants and even structure the Biennale? What I want
above all is for visitors to feel alive as they walk through the show. Some of the artists do work with life forms, even though that’s not one of the criteria for which their work was chosen. Tomás Saraceno reactivates his Cosmic Dust, where a spider’s web becomes a representation of the cosmos and captures a bit of the forty thousand tons of stardust that fall on the Earth every year. What I’m most interested in is the question of open forms, whether of a particular artwork or the Biennale as a whole. I often feel the need to open up spaces, without being too literal about it. The exhibition includes some pieces that reactivate others in a sort of critique of modernity. I want them to transform the building by means of their flows and intrinsic logic, avoiding the museumification of forms. Some Lygia Pape pieces blow up the whole white cube, like her New House, a home destroyed by time. Daniel Steegmann Mangrané’s piece tropicalizes a strictly modernist sculptural space. His work acts on our senses and makes cracks in our representation of the world, tracing another path, a bifurcation that can bring us closer to the living. For him an exhibition space can no longer be a space where objects are accumulated and protected from the exterior; it should be a site where our relationship with objects and reality is reconfigured.
LANDSCAPE
How did you come up with the exhibition layout? I want visitors to be able to explore an imaginary landscape or embark on a voyage amid an archipelago of little islands, which are sometimes a place to stop off or a stage. For the venue known as La Sucrière, a former sugar factory built in the 1930s, I wanted the staging to be almost immaterial, with a minimum of intervention, reduced to the building of a wall—and “build a wall” is a phrase whose meaning has changed a lot in recent years. In 2015, for Céleste BoursierMougenot’s piece révolutions at the French pavilion in Venice, we wanted to keep a broken skylight. That gap that let in the elements, the vagaries of the weather, was very meaningful. A third site implicitly evoking nomadism will be set up in the city, between the contemporary art museum and La Sucrière—one of Buckminster Fuller’s geodesic domes, emblematic of utopian and nomadic architecture, one of the most outstanding items in the Pompidou Center’s architecture collection, lent to us for the Biennale as part of the celebration of the Center’s fortieth anniversary. The two venues share thematic frameworks. Ocean of Sounds was inspired by the David Toop book. The space cracks open and is flooded by sounds such as the electronic downpour of David Tudo’s Rainforest, the noise made by the world broadcast by the Brazilian artist Cildo Meireles’s immense tower of Babel, the rhythmic melody created by water in Doug Aitken’s Sonic Fountain and the vibrations of Susanna Fritscher’s sound helices. Flux et reflux (Ebb and Flow) brings together works involving words and literature, from Marcel Broodthaers to haikus by Marco Godinho, and the poetry of Julien Creuzet and Rivane Neuenschwander. The latter works with the words that appear on banners carried in demonstrations. She arranges them into poems that visitors can recompose and wear on their clothing like flags. Another theme, Cosmogonies intérieures (Interior Cosmogonies), links paintings by Lucio Fontana with the new cosmogonies imagined by Tomás Saraceno, Dominique Blais, Yuko Mohri and Icaro Zorbar. La Sucrière’s ground floor is inhabited by works conceived by Hans Haacke and Robert Breer’s Floats, sculptures that seem to be powered by some animistic and anarchic force. Pratchaya Phinthong’s Ephemeral cinema, a small vehicle equipped with a film projector, will leave the exhibition from time to time to show films in the city. On the second floor of La Sucrière the encapsulated portraits of Darío Villalba, and the pieces by Anawana Haloba and Philippe Quesne interrogate people’s moorings in the contemporary world. The top floor will be divided into stages: for example, Melik Ohanian will screen a new film inspired by the novel Plans by Rudy Wurlitzer, shot on the roof of the artist’s former studio in Brooklyn.
SUBVERSION
Pieces by some artists you’ve worked with for a long time will be here, but others, like Pierre Huyghe and Dominique Gonzalez-Foerster, will be absent. These absent artists are present in a certain way, a product of the exchange of ideas I’ve been lucky enough to have with them and that remains in my mind. We’ve done outstanding work together, but I wanted to give them a little time to think about making new work. Dominique GonzalezFoerster was very generous with Mangrovama, the tropical diorama she created for my show Jardin infini in Metz; Pierre Huyghe is totally occupied by his piece for the Skulptur Projekte in Munster… But there will be more to come! There will also be young artists whose work hasn’t been seen much in France, from countries located in an arc linking Japan with South America. During my travels, particularly when I went to Japan to prepare for the sequence of Japanese contemporary art exhibitions at the Centre Pompidou-Metz, I came upon the work of artists like Yuko Mohri, who interrogates the heritage of European modernism embodied by Duchamp and Erik Satie. Her work has never been shown in France before, and I asked her to present two projects. I also invited some artists associated with Latin America to make new pieces for the biennial, like Daniel Steegmann Mangrané who lives in Brazil and did the exhibition design for Jardin infini. The Colombian artist Icaro Zorbar, now based in Norway, turned himself into a director of time and duration to conceive a kinetic night for Lyon. Other artists like Anawana Haloba, born in Zambia, never before shown in France, and Julien Creuzet, explore the dynamics of chaos, nomadism and circulation described by Glissant. Their work reconsiders the abstraction of European modernity so as to reevaluate its global impact.
Your floating worlds seem to convey a quest for a certain intensity of existence in an atmosphere of solemnity and concentration. I do in fact feel driven by a melancholy that is paradoxically very alive, creative and dynamic! My thinking in general is haunted by questions related to depletion, disappearance and entropy, by the new things these processes can give rise to, and their ability to produce a strong poetic dimension and contemplative beauty. In a way, Shimabuku’s When Sky Was Sea is emblematic of this Biennale. He reinvents the world by humorously turning it upside down. He chose to move back to a wounded Japan; I’m fascinated by his hyper-conscious poetization of the state of the world. Similarly, it was important to me to show some historic pieces, like Hans Haacke’s ecosystems White Wide Flow and Circulation, never before seen in France. These artists express a world outlook that is simultaneously contemplative and subversive, escape from the exhibition space and take us to new worlds. Interviewed by Anaël Pigeat
Translation, L-S Torgoff