IAN CHENG, CAMERON ROWLAND ET PARK MCARTHUR : DU MOMA À LA FONDATION LOUIS VUITTON

IMAGINER une communauté sous la menace d’un volcan, regarder un chaman pris d’hallucinations, suivre un personnage enfantin qui a pour compagnon un oiseau sauvage… Voici la rêverie à laquelle nous invite Ian Cheng, artiste américain de 33 ans qui vit à Los Angeles. Emissary in the Squat of Gods (2015), exposé à la Fondation Louis Vuitton, est une fresque vidéo animée qui ressemble à s’y méprendre à un jeu vidéo. L’artiste y met en scène un groupe d’hommes primitifs errant dans des paysages immémoriaux stylisés. Cette oeuvre s’inspire des écrits controversés du psychologue américain Julien Jaynes, qui dénie aux premiers habitants de la planète la possession d’un inconscient, acquis plus tard, au fil de l’évolution humaine. Ian Cheng chorégraphie ainsi des situations “réelles”, et les insère dans une esthétique 3D devenue familière avec le développement des nouvelles technologies.

La spécificité et la force de son travail résident dans sa capacité à inventer un langage, entre jeux vidéo justement et films d’animation, devenant ce que l’on appelle aujourd’hui un artiste numérique. Avec cette oeuvre, Ian Cheng nous replonge au coeur de nos mythes, de nos origines et de nos mythologies (la bande-son à la fois organique et cristalline contribue à nous plonger dans une fantasmagorie), tout en nous propulsant dans ce qui est notre avenir technologique. À la fois archéologue et visionnaire.

Après avoir étudié les arts visuels à New York, l’artiste s’était lancé dans l’étude des sciences cognitives à l’université de Berkeley. Aujourd’hui, son oeuvre lui permet de faire la jonction entre ses deux passions, notamment par le biais de l’intelligence artificielle, en pionnier du genre. Avec le vocabulaire du digital, Ian Cheng construit des tableaux animés dont il est à la fois le créateur et l’homme-orchestre. Cette simulation du vivant, programmée par ordinateur, avec ses écosystèmes virtuels, nous invite également à interroger la manière dont une société évolue : quelle place pour ce qui est programmé ou déterminé ? Quelle place pour la liberté ? Ian Cheng laisse justement la possibilité aux différents avatars-personnages d’interagir dans ce programme. Il les inscrit au coeur du processus, leur laissant la liberté d’influer sur l’histoire. Ce n’est donc plus une histoire, mais des histoires qui s’entrelacent dans un flot narratif échappant aux critères qui nous sont familiers (des arcs narratifs préécrits). Comme l’artiste aime à le dire, il conçoit des “jeux vidéo autonomes”, ouverts, où l’action des personnages forme une exploration du champ des possibles. Ainsi, il se joue surtout de nous car, au fond, bien plus que de répondre à nos questions, son oeuvre ne fait qu’en poser de nouvelles.

DEUX BARRES MÉTALLIQUES se croisent pour découper dans l’espace un grand X arrimé au mur et au sol. Ces Lashing Bars font partie de l’oeuvre Insurance de Cameron Rowland. Elles sont accompagnées d’un texte décrivant le rôle de la Lloyd’s of London, compagnie toujours en activité qui assurait les bateaux transportant les esclaves au XVIIIE siècle. Les souscripteurs se couvraient ainsi contre les risques liés à la perte éventuelle de leur “chargement”. A community living under the threat of a volcano, a shaman in a state of hallucination, a childlike character whose only friend is a wild bird… These are the dream scenes into which 33-year old Los Angeles-based artist IAN CHENG invites us. Emissary in the Squat of Gods (2015) is an animated video fresco which draws inspiration from the controversial writings of American psychologist Julien Jaynes, who contests that the first humans to walk this planet possessed a subconscious, claiming it developed later with human evolution. The specificity and power of Cheng’s work as a digital artist reside in his capacity to invent a language that’s caught somewhere between video games and animated films. With this piece, at once archaeological and visionary, he plunges us into the heart of our myths, origins and mythologies – the sound track, organic yet crystalline, contributes to the phantasmagoria – all the while pushing us towards our technological future. After studying visual arts in New York, Cheng went on to read cognitive sciences at Berkeley. Today his production allows him to build a bridge between these two passions, most notably using artificial intelligence. Cheng constructs animated tableaux, simulations of life endowed with virtual eco-systems that invite us to question the ways in which society is evolving: what place is there for the programmed versus the pre-determined? What place for freedom? Cheng allows different avatar characters to interact within this programme, inscribing them at the heart of the process, giving them the liberty to influence history. So it’s no longer one story, but many stories that are intertwined within a flow that escapes pre-written narrative arcs. As the artist likes to say, he conceives “autonomous open-ended video games” where the characters’ actions are an exploration of the field of possibilities. In fact, it’s the spectator who’s at the heart of the game, because rather than providing answers his work engenders countless new questions.

Two metal bars criss-crossed from wall- and floormounted fastenings cut a large X through the space. Lashing Bars, as he calls them, are part of CAMERON ROWLAND’S installation Insurance, which is accompanied

ILS SONT JEUNES, ANCRÉS DANS LEUR ÉPOQUE ET DÉJÀ PRESENTS DANS LA COLLECTION DU MOMA. L’EXPOSITION QUE LA FONDATION LOUIS VUITTON RÉALISE AVEC LE MUSÉE AMÉRICAIN EST L’OCCASION DE DÉCOUVRIR LEURS OEUVRES EMBLÉMATIQUES.

FROM MOMA TO THE FONDATION LOUIS VUITTON: IAN CHENG, CAMERON ROWLAND AND PARK MCARTHUR

AMONG THE WORK’S IN MOMA’S COLLECTIONS ARE PIECES BY THREE YOUNG ARTISTS WHO HAVE THEIR FINGERS FIRMLY ON THE PULSE OF THE ZEITGEIST.

L’exposition nous fait découvrir le travail de cet artiste américain de 29 ans, né à Philadelphie et qui vit à New York. Cameron Rowland a d’abord intégré des agences d’architecture après des études à la Wesleyan University, dans le Connecticut. Il a toujours été hanté par les questions sociales, économiques et raciales. L’oeuvre choisie est extraite d’une grande installation intitulée 91020000, dans laquelle il présente une série de biens fabriqués par des détenus des prisons des États de New York et de Californie. Les prisonniers produisent des vêtements, des bancs, des bureaux et autres équipements… pour un salaire compris entre 0,10 cent et 1,14 dollar de l’heure. Une population composée à un tiers de Noirs afro-américains. L’artiste nous invite à déambuler autour de ces objets de la vie quotidienne, fruits de l’exploitation carcérale, et à s’interroger sur le travail pénitentiaire comme prolongation de l’esclavage aux États-unis.

C’EST UNE INSTALLATION singulière que nous propose l’américaine Park Mcarthur, née en 1984. On connaissait de cette artiste, qui vit et travaille à New York, ses sculptures minimalistes empruntées à des objets de la vie quotidienne, ses installations sonores, ou ses récitations de lettres d’amour de guerre de Felix Gonzales-torres. Mais avec cette oeuvre, le visiteur met un instant avant de saisir de quoi il s’agit, tandis qu’il perçoit assez vite l’étrangeté de la pièce, ce qu’elle a de dérangeant. Il s’agit en réalité d’un dispositif médical qui permet de maintenir un patient sur un lit, tel un drap-camisole de force. Posey Restraint (2014) est le titre de l’oeuvre. Très vite, on comprend que les deux grands trous sont là pour y loger les bras, et les sangles, pour s’assurer qu’ils ne bougeront pas. Il s’agit donc d’immobiliser un corps. Cette pièce s’intégrait dans une exposition organisée au centre d’art Yale Union à Portland, où elle était pendue au plafond de toilettes de l’institution.dans une exposition précédente à la galerie Essex Street à New York, l’artiste avait mis en espace une vingtaine de rampes d’accès empruntées à des bâtiments existants, notamment d’institutions culturelles. Comme un rappel du dédale fastidieux que les personnes invalides doivent parcourir pour accéder au bureau ou au lieu souhaité. D’ailleurs, certaines de ces rampes, mal entretenues, s’étaient détériorées. Ces constructions mettent en lumière une forme bien particulière d’exclusion (ou d’accès) à certains lieux, et suggèrent qu’il existe évidemment d’autres formes d’exclusion sociales qui nécessiteraient leur propre dispositif. “Comment s’affranchir de nos entraves, physiques et sociales ?” semble s’interroger Park Mcarthur, s’affirmant ainsi comme une artiste résistante. by a text describing the role that Lloyd’s of London played in the 18th-century slave trade, underwriting traffickers against eventual losses of “goods.” This 29-year-old New York-based artist began working in architecture after studies at Wesleyan University in Connecticut. Rowland is preoccupied with questions of society, economy and race. The selected work is extracted from a much larger installation, 91020000, in which he presents a series of goods made by the inmates of New York and California prisons. The prisoners (one third African American) produce clothes, furniture, equipment and services for salaries of between $0.10 and $1.14 per hour. The artist invites us to consider these everyday objects, fruits of carceral exploitation, and the greater question of prisoner employment as a form of continued slavery in the US.

PARK MCARTHUR’S installation is decidedly disturbing. Born in 1984, the New York artist is known for her minimalist sculptures that borrow objects from daily life, for her sonic installations or her recitals of Felix GonzalesTorres’s “Untitled” (Love Letter From the War Front). But with this work, spectators will likely take a moment to understand what they are looking at: for this distinctly odd object is none other than a medical restraining net. Posey Restraint (2014) is the title Mcarthur has given it, and one begins to understand that the two holes are meant to contain two arms, and the straps to restrain any movement, totally immobilizing the body. The piece was unveiled as part of an exhibition at Yale Union art centre in Portland, where it hung from the ceiling in one of the lavatories. In an earlier New York exhibition at the Essex Street gallery, the artist assembled 20 or so access ramps borrowed from various buildings (notably cultural institutions), evoking the labyrinthine passage that disabled people are often obliged to make in order to access their destinations. Furthermore, a few of the ramps were poorly maintained, and had fallen into disrepair. The ramps provide visibility to one form of barrier and access, and suggest that there are other social circumstances of exclusion and barricading that might require their own version of a ramp. In questioning how we might break free of our physical and societal restraints, Mcarthur’s work demonstrates not just resilience but also resistance.

Être moderne : le MOMA à Paris, du 11 octobre au 5 mars 2018, à la Fondation Louis Vuitton.