Wo Hunde auf den Hund kommen…
Reichlich Promis, über 400 Filme: Festivalzeit! Aber inmitten hitziger Debatten. Die Eröffnung jedenfalls hätte schon mal nicht besser sein können: Wes Andersons „Isle of Dogs“befeuert die Liebe zum besten Freund des Menschen
Ob die Berlinale auf den Hund gekommen ist, das wurde in den letzten Wochen und Monaten in der Diskussion um die Nachfolge von Festival-Chef Dieter Kosslick ausführlich diskutiert. Gestern Abend, nach dem Eröffnungsfilm des diesjährigen Festivals, kann und muss diese Frage mit einem klaren „Ja“beantwortet werden. Denn auch wenn sich mit Bryan Cranston, Bill Murray, Jeff Goldblum, Helen Mirren, Tilda Swinton, Greta Gerwig und Liev Schreiber auf dem roten Teppich am Potsdamer Platz ein großes Star-Aufgebot versammelte, ging es drinnen auf der Leinwand im Berlinale-Palast allein um des Menschen besten Freund: den Hund.
Mit „Isle of Dogs“eröffnet zum ersten Mal ein Animationsfilm die Berlinale, und all die tollen Schauspieler sind darin allein mit ihrer Stimme als Sprecher für die TrickVierbeiner präsent. Regisseur Wes Anderson ist ein alter Berlinale-Hase und zugleich einer der originellsten Köpfe des amerikanischen Independent-Kinos. Bereits 2001 – in Kosslicks erstem Amtsjahr – brachte er „The Royal Tenenbaums“nach Berlin, hielt mit „Tiefseetaucher“(2004) sowie „Moonrise Kingdom“(2012) dem Festival die Treue und lieferte zuletzt vor vier Jahren mit „Grand Budapest Hotel“den Eröffnungsfilm.
„Isle of Dogs“ist also in vielerlei Hinsicht ein Heimspiel. Man hätte keine bessere Wahl treffen können. Der Streifen wurde in klassischer Trickfilm-Tradition mit dem mühsamen Stop-Motion-Verfahren hergestellt. Während die Pixel-Trickser am nahtlosen, perfekten Übergang zwischen Real- und Animati- arbeiten, besteht der Charme von Andersons Film gerade im Bekenntnis zum sichtbaren Handwerk. „Isle of Dogs“kommt als veritable, dystopische ScienceFiction daher – aus der Hundeperspektive: Im Japan der Zukunft regiert der korrupte Bürgermeister und bekennende Hundehasser Kobayashi die Stadt Megasaki. Eine grassierende Hundegrippe nimmt er zum Anlass, alle Hunde einzufangen und auf eine verseuchte Müllkippeninsel zu verfrachten. Nach sechs Jahren sind aus den einstmals geliebten Haustieren verwahrloste Kreaturen geworden, die sich um Abfall blutige Kämpfe liefern.
Das Blatt wendet sich, als der zwölfjährige Atari – Adoptivsohn des Bürgermeisters – mit einem geklauten Flugzeug auf der Insel landet, um sich auf die Suche nach seinem treuen Bodyguard-Hund zu begeben. Für die Vier- und den Zweibeiner beginnt eine epische Reise, die sich mit leiser Ironie an großformatige Werke wie „Hobbits“anlehnt. Zwischen den Abenteuern philosophieren die Hunde dialektisch über die eigene Haustierund Streunerexistenz, das Verhältnis zu ihren früheren Herrchen und das unfreiwillige Outlaw-Dasein.
Neben den gewitzten Dialogen überzeugt „Isle of Dogs“vor allem durch seinen unaufdringlichen Humor und die liebevolle, detailversessene Ausstattung. Mit unübersehbaonsfilm rem Faible für Japanologie werden hier die Sets gestaltet und bei der Animation keine Mühen gescheut.
Und so hat Dieter Kosslick einen köstlichen Appetizer serviert, der die cineastischen Synapsen öffnet und erst einmal gute Laune verbreitet. An der hat es bekanntlich im Zuge der Debatte um Nachfolge und Neuausrichtung des Festivals beim Berlinale-Chef in letzter Zeit ein wenig gemangelt. Die öffentliche Diskussion und die Kritik an Kosslick lief mit einer erstaunlichen medialen Dynamik innerhalb kürzester Zeit heiß und wird wohl erst nach Ende des diesjährigen Festivals wieder in differenzierte Fahrwasser gleiten. Denn sicherlich hat sich unter 17 Jahren Kosslick ein gewisser Reformstau gebildet, und beim letztjährigen Wettbewerbsjahrgang kratzten sich selbst überzeugte Berlinale-Verfechter ratlos am Kopf. Aber einige der Kritikpunkte sind auch auf grundlegende Dilemmata zurückzuführen, die schon lange existieren und nur bedingt durch eine Festivalleitung änderbar sind. Neben Cannes und Venedig gehört Berlin zu den drei großen A-Festivals. Dass die Berlinale in dieser Konkurrenz eher am unteren Rand rangiert, ist kein Novum. Mit dem Auflauf an Meisterregisseuren und Stars, wie er an der Côte d’Azur zelebriert wird, konnte das Spree-Festival schon unter Vorgänger Moritz de Hadeln nicht mithalten. Und seit die Oscar-Verleihung vorverlegt wurde, ist es kaum noch möglich, große Hollywood-Produktionen im Februar nach Berlin zu locken.
Aus dieser Not hat Kosslick in seiner Amtszeit versucht, eine Tugend zu machen – indem er für eine Diversifizierung des Programms mit elf Nebensektionen sorgte. 385 Filme mögen so manchen Fachbesucher auch in diesem Jahr an die Grenzen seiner Multitasking-Fähigkeiten führen, aber dies ist zumindest ein Versuch, der modernen Medienlandschaft, die sich durch die Digitalisierung dramatisch verändert hat, gerecht zu werden. Wer heute Entdeckungen machen will, muss mit breiteren Netzen als vor zwanzig Jahren fischen.
Auch das diesjährige Wettbewerbsprogramm macht auf dem Papier einen eher durchwachsenen Eindruck. Immerhin ist das deutsche Kino, dessen Einbindung Kosslick als gelernter Filmförderer in seiner Amtszeit vorangetrieben hat, mit vier Produktionen stark präsent. Ein in der Popmusik immer wieder gerne gebrauchter Satz ist der, wonach sich jemand wieder mal „neu erfunden“hat. Dabei geht es meist nur um kleinere Image- oder Stilwechsel. Bei Franz Ferdinand ist jetzt auch wieder viel die Rede davon, dass sich die Band „neu erfunden“habe. Das stimmt natürlich nicht, nur weil sich Gitarrist Nick McCarthy ins Familienidyll nach Bayern zurückzog und sich unsere liebsten IndieSchotten nicht nur einen Ersatz-Saitenmann, sondern noch einen Tastendrücker an Bord holten. Franz Ferdinand spielen weiterhin Disco für Leute, die Disco nicht mögen. Doch dabei ist ihnen deutlich die Energie abhandengekommen. Das neue Album „Always Ascending“klingt nicht mehr so drängend und drückend und leicht überspannt wie die früheren Platten. Am besten geraten sind noch der Titelsong und „Feel The Love Go“mit seinem dunklen New-Order-Elektro-Groove der 80er Jahre. (hip) ★★★✩✩
(Domino/Goodtogo)
Tobias Siebert drückt der deutschen Popszene abseits des Mainstreams schon seit Jahren seinen Stempel auf. Und das auf ganz verschiedene Weise. Als Produzent von Bands wie Kettcar sowie Me and My Drummer – und natürlich als Sänger und Gitarrist der Band Klez.e. Doch am eindrucksvollsten zeigt er seine Musikalität und seine Liebe zur Popgeschichte mit seinem Soloprojekt And The Golden Choir. Auf dem zweiten Album „Breaking With Habits“erweitert er dessen Klangspektrum um ein paar elektronische Sounds, was aber nichts am eher getragenen, melancholischen Charakter seiner Songs ändert. Sie erinnern bisweilen an Bands wie Radiohead oder Talk Talk – der Mittvierziger Siebert hat keine Angst vor großen Vorbildern. Muss er auch nicht: „Breaking With Habits“ist kunstvoller und doch eingängiger Pop aus Deutschland, der den internationalen Vergleich nicht zu scheuen braucht. (mgo) ★★★★✩
(Caroline/Universal)