La espiral de Hilma af Klint sigue ascendiendo
Editorial Atalanta publica una cuidada edición ilustrada de la obra de la pintora sueca, pionera del arte abstracto; el volumen profundiza en las creencias y experiencias que la llevaron a crear su universo simbólico
⁄ Desde su infancia tuvo visiones y oyó voces en su interior; muy pronto se interesó por el ocultismo rosacrucista y la teosofía
⁄ Decidió “legar su obra al futuro”: algunas piezas no debían ser abiertas hasta veinte años después de su muerte
Desde que la exposición The spiritual in art: Abstract painting 1890-1985 –llevada a cabo en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles en 1986– reivindicase a Hilma af Klint como pionera y representante destacada del arte abstracto, no han dejado de sucederse acciones que reclaman para ella un lugar de honor en la historia del arte, como mínimo, junto a Kandinsky, Kupka, Malévich o Mondrian. Nacida en Solna, condado de Estocolmo, en 1862, y fallecida en Danderyd, también condado de la capital sueca, en 1944, desde su infancia tuvo visiones y oyó voces en su interior, lo cual la acercó desde muy temprana edad a grupos cuyos miembros experimentaban en la comunicación con las fuerzas superiores. Perteneciente a una familia de oficiales de la Marina –a su bisabuelo y su abuelo se les debe un célebre proyecto para cartografiar los mares que rodean Suecia que los haría ingresar en la nobleza–, para ella fue tan importante la educación científica como la espiritual.
Estudió en la Real Academia de Bellas Artes de Estocolmo y formó parte de la Asociación de Mujeres Artistas Suecas, además de viajar por Dornach, Ámsterdam, Londres y Florencia. Su primera sesión espiritista a los 17 años, la fundación de su propio grupo ocultista –con cuatro amigas: De Fem (Las Cinco)– de raigambre rosacrucista en 1896, la fascinación por la teosofía y su frustrado acercamiento a Rudolf Steiner, fundador de la antroposofía, son otros datos que dan una idea de unos intereses que plasmó en una obra pictórica adelantada a su época, visionaria a juzgar por los entusiasmos que despierta ahora. Después de algunos desencantos, como la muestra de sus producciones en Londres en el marco de la Conferencia Mundial de Ciencia Espiritual de 1928, en 1932 “decidió legar su obra al futuro” –según escribe la doctora en Historia del Arte Julia Voss– y señaló un conjunto de piezas que no debían ser abiertas hasta que pasaran veinte años desde su muerte.
En este momento de revisión de los cánones y los criterios que los componen, la editorial Atalanta se suma a la recuperación de la pintora ofreciendo una cuidadosa edición ilustrada de algunas de sus obras, pero, sobre todo, profundizando en las creencias, conocimientos y vivencias que propiciaron un universo simbólico como el suyo y, por tanto, el del primer arte abstracto.
Al margen de la academia y también de las vanguardias, configuró un lenguaje de colores, estructuras, símbolos y seres sagrados capaz de unir lo visible y lo invisible y de representar las espirales de fuerzas y vibraciones que forman la verdadera naturaleza aunque seamos incapaces de percibirlas.
Las reproducciones de la apabullante obra de la artista acompañan en este volumen a los estudios de especialistas procedentes de diferentes disciplinas – además de la ya citada Voss, Daniel Birnbaum, Tracey Bashkoff, Isaac Lubelsky, Linda Dalrymple Henderson y Marco Pasi– presentados en el seminario de 2018 en el Museo Guggenheim de Nueva York, coincidiendo con una gran exposición dedicada a la artista llamada a desafiar y revolucionar los cánones artísticos tanto tiempo después de su nacimiento y su muerte. /