Oriol Broggi
El público de Peralada acoge con cariño el minimalismo escénico de Oriol Broggi
DIRECTOR TEATRAL
El director teatral Oriol Broggi, que hace un mes inauguró el Grec barcelonés, se estrenó ayer al frente de una ópera y lo hizo por la puerta grande: con
La flauta mágica de Mozart y en el Festival Castell de Peralada.
Hace una década, Gerard Mortier se despedía como intendente de la Opéra de Paris con una última gamberrada: dar carta blanca a Anselm Kiefer para crear una ópera y estrenarla en la Bastille. El notorio pintor alemán tituló la propuesta Am Anfang (En el inicio). Y básicamente era un oratorio lacónico con música de Jörg Widmann y textos extraídos de los libros de Isaías y Jeremías. “Son palabras que llevo oyendo toda la vida en mi cabeza”, decía Kiefer. Cantar se cantaba poco. Y apenas se movía un alma entre las gigantescas ruinas que dominaban la escenografía. ¿Qué era aquello? No había trama, pasaban las horas y seguía el inmovilismo... la gente salía del teatro tambaleándose. Sin embargo aquel ambiente de profecía futurista, aquel cuadro viviente de Kiefer quedó grabado para siempre en la memoria de quienes tuvimos la oportunidad de verlo.
Es posible que ese sea el deseo secreto de Oriol Broggi: crear un cuadro visual/anímico inolvidable. Y cuando el Festival de Peralada, siempre presto a iniciar a directores de teatro en el arte total, le propone dirigir La flauta mágica ,seve delante de una oportunidad. Pero la carta blanca, cuyos resultados vieron ayer la luz en el certamen ampurdanés, no era en este caso tan abierta: no le habían propuesto escribir una ópera sino dirigir un clásico de Mozart. Y como sucede con los artistas, que abordan y abordan una idea hasta llegar al meollo de su cuestión, Broggi abocó en La flauta mágica todas sus obsesiones escénicas.
Y cabe señalar eso porque parte del público sintió que entre el Poema de Gilgamesh, esto es, el montaje sobre el manuscrito más antiguo de la civilización con el que el mismo Broggi inauguró el Grec hace un mes, y esta dirección de escena sobre Mozart mediaba poco más que la propia música interpretada por el Cor y la Simfònica del Liceu con Josep Pons a la batuta y por un elenco vocal notable.
El tenor Liparit Avetisyan debutaba en el papel de Tamino, y una interesante Olga Kulchynska (ganadora del Viñas 2015) en el de Pamina. Y espectacular –y embarazadísima– estuvo la soprano Kathryn Lewek como Reina de la Noche...
Pero a lo que íbamos, los elementos escénicos, esto es, la nada, los recursos videográficos, las cuatro sillas, las cañas que en un momento dado se convierten en puertas (que abren camino a la naturaleza, a la razón o a la sabiduría)... y esos característicos tonos cálidos vuelven
El montaje dio preeminencia a la partitura, y las voces y la Simfònica del Liceu lo supieron aprovechar
a ser los del mesopotámico Gilgamesh. Tonos litúrgicos, iniciáticos... Y otro elemento: el deseo de seducir desde el estatismo y la oralidad, de ahí la presencia de un narrador, el actor Lluís Soler, para que la historia tenga un hilo con- un personaje que introduce en catalán algunas explicaciones .... En fin, todos esos elementos que nos recuerdan que Broggi es un gran admirador del teatro de Peter Brook. ¿Por qué no?
Como decía Goethe, La flauta se puede prestar a lecturas múltiples: procurar un placer sencillo o brindar tesoros secretos para los iniciados en la masonería. Pues si bien Mozart hizo una música sublime, el libreto de Schikaneder se podía leer no sólo como una historia fan- tástica y encantadora, sino también como un recorrido iniciático según los ritos masónicos.
En cualquier caso, La Flauta va de la educación y el precio que hay que pagar por ella, por andar por el lado luminoso de la vida y del amor. Y sobre esta cuestión filosófica arma Broggi su planteamiento escénico. Pero seguramente lo hace con menos tiempo del que acostumbra a trabajar con sus actores (dos meses, seis horas al día), sino con las tres semanas que se dispone en esta producción. ¿Cómo lograr esa intangible inmersión en unos actores que son fundamentalmente cantantes?
Pero vayamos a lo positivo de la propuesta. Primero y ante todo, Peralada sigue arriesgando y abriendo nuevas perspectivas. Segundo, la música tiene en este montaje el protagonismo. Y Pons lo supo aproductor,
vechar desde el foso, desechando la idea de subir la orquesta al escenario, pues tal como se planteaba la escena los cantantes le perdían de vista como director. Tercero, el director de escena es insobornable, y eso siempre es un buen punto de partida, especialmente cuando se trata de propuestas poco habituales en los escenarios de ópera –que se lo pregunten a La Fura dels Baus o a Calixto Bieito–. Y cuarto, a quien no le convenciera la jugada escénico-filosófica siempre podía acogerse al conjunto vocal, que cumplió su cometido sin importar su grado de consciencia del acting.
Andreas Bauer era Sarastro; el barítono Adrian Ërod, Papageno, mientras que Papagena lo interpretaba Júlia Farrés. Entre las damas, otra ganadora del concurso Viñas, Anaïs Constans, y las notables Mercedes Gancedo y Anna Alàs. Y los tres niños los interpretaron esta vez sopranos. El coro bien, y dando sentido como corpus al montaje.